El rinconcito del cine fantástico

[darkland]

Doy inicio a un nuevo tema dentro de esta sección dedicado al cine fantástico, un género que encuentro muy interesante. No solamente me "alimento" de Sergio Leone, el western (tanto el clásico norteamericano como el eurowestern, mal llamado "spaghetti-western"), el cine negro o el cine asiático, que son mis favoritos, y es que también tengo mi corazoncito fantástico. A diferencia de la estrategia seguida en los otros hilos, no me voy a limitar a una única fuente como orígen de los textos. De esta forma procuraré ser más selectivo con la calidad de los mismos. Por supuesto, este espacio esta abierto a todas vuestras aportaciones, sugerencias o comentarios. ¡A ver si alguien se anima!

Saludos

[darkland]

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Película dirigida por Benjamin Christensen en 1922, con Maren Pedersen, Clara Pontoppidan, Elith Pio y Tora Teje.

Sinopsis: Se trata de un documental a propósito de la historia de la brujería en el cual se narran distintos sucesos y tópicos presentados como acontecimientos extraídos directamente de la realidad.

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Comentario: Haciendo buen uso de la práctica que situó al cine sueco a la cabeza de la taquilla en todo el mundo, esto es, la narración de escabrosos episodios, eróticos o no, bajo pretexto de documentales informativos sobre sexo y otros asuntos morbosos, Benjamin Christensen facturó un excelente viaje al mundo del terror y las supersticiones tomando como base estética las pinturas del Bosco y empleando todos los medios técnicos disponibles en aquel momento, usando miniaturas a doble exposición, así como una amplia panoplia de variaciones narrativas que van desde la dramatización de hechos pretendidamente reales hasta los dibujos, la incorporación de pinturas al relato, etcétera. Sin embargo, posiblemente el efecto más turbador de la película, esto es, el aspecto sobrenatural de los ojos de algunos actores, fue fruto de la casualidad, ya que la emulsión disponible en aquel momento para las películas producía ese efecto en los actores con ojos azules. El director, que había intentado conseguir asesoramiento de historiadores para preparar el guión de su largometraje, hubo de cambiar de intenciones después de recibir las críticas al proyecto de muchos de los expertos con los que había pensado contar para el mismo, la mayoría de los cuales seguían contemplando el cine como una diversión de feria, poco seria para abordar semejantes temas. Una curiosidad: en este filme, totalmente rodado en el estudio que Christensen tenía en Dinamarca, el propio director interpretó el papel de demonio y también el de Jesucristo. En la carrera de Christensen, nacido en 1879 y fallecido en 1958, y formado inicialmente como actor de teatro y cantante de ópera, destacan también los títulos "La X misteriosa", de 1914, "El circo del diablo", de 1926, y una curiosa contribución a una adaptación de la novela de Julio Verne "La isla misteriosa" filmada en 1929 por Lucien Hubbard, a la que se incorporaron imágenes filmadas por Christensen y por Maurice Tourneur.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán


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http://www.youtube.com/watch?v=ltDAAu7uEjw

[darkland]

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Nacido en Vigarano Mainarda (Italia), en 1925, Carlo Rambaldi es probablemente el técnico de efectos especiales más popular del cine europeo, junto al pionero español Segundo de Chomón. Después de trabajar en el cine italiano durante los años cincuenta, sesenta y primeros setenta, en películas de todo tipo -"El tesoro de los Nibelungos" (Giacomo Gentilomo, 1957), "El valle de los hombres de piedra" (Alberto de Martino, 1963), "Il boia scarlatto" (Massimo Pupillo, 1965), "Bahía de sangre" (Mario Bava, 1971), "Carne para Frankenstein" (Paul Morrisey, 1973), "Rojo oscuro" (Dario Argento, 1975)-, Rambaldi da el salto al cine norteamericano de la mano de Dino de Laurentiis y "King Kong" (John Guillermin, 1976), cinta para la que construyó un robot gigantesco de 12 metros de altura y 6 toneladas de peso, además de la mano mecánica que "manipulaba" Jessica Lange en los planos cortos. También participó en "Dune" (David Lynch, 1984) -donde elaboró los Gusanos de Arena-, y colaboró con H.R. Giger fabricando la cabeza del monstruo de "Alien, el octavo pasajero" (Ridley Scott, 1979). No obstante, el mayor logro artístico del técnico italiano fue el animatronic de "E.T., el extraterrestre" (Steven Spielberg, 1982), una criatura, según su creador, dotada de alma.

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Como anécdota, destacar que Carlo Rambaldi ha sido el primer técnico de efectos especiales que se vio obligado a probar ante un tribunal que su trabajo no era "real"... Las escenas de mutilación de un perro en "Una lagartija con piel de mujer" (1971), de Lucio Fulci, eran tan auténticas que el realizador fue acusado de crueldad con los animales, enfrentándose por ello a una pena de dos años de cárcel. En consecuencia, Rambaldi llevó ante el juez todos los diversos elementos que conformaban el trucaje, logrando así el sobreseimiento del caso...

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad
Autor: Dr. Cyclops


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Pelicula "Dune": Contenido visible sólo para usuarios registrados


http://www.youtube.com/watch?v=84RehvXVpOs

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http://img527.imageshack.us/img527/5889/lamascaradelamuerteroja.jpg

Basada en un relato de Edgar Allan Poe, producida y dirigida por Roger Corman en 1964, "La máscara de la muerte roja" destaca por su evocación, nada sutil por lo demás, de la figura del marqués de Sade (1740-1814) y de una de sus obras más emblemáticas, "Los 120 días de Sodoma" (1785). Al igual que en la novela de Sade, los depravados aristócratas de "La máscara de la muerte roja" se encierran en una fortaleza para entregarse a toda clase de excesos, aunque es cierto que también en el cuento de Poe se perciben los ecos de la novela de Sade, no sabemos si por casualidad o porque el genio de Boston conocía de primera mano dicho texto a través de cualquiera de sus numerosas impresiones clandestinas... ¿Es por ello que el príncipe Próspero (Vincent Price) es un afamado satanista decidido a envilecer la fe y a destruir la inocencia de la joven Francesca (Jane Asher), atrayéndola hacia su causa, hacia el Mal? ¿Es casual que uno de los libertinos más malévolos de "La máscara de la muerte roja", Alfredo, esté interpretado por Patrick Magee, el excelente marqués de "Marat-Sade" (Peter Brook, 1967)? Si hacemos caso a Hitchcock, las casualidades no existen...

Mezclando no sin cierto ingenio los cuentos "La máscara de la muerte roja" (1842) y "Hop Frog" (1849), ambos de Poe, el film de Corman, por contra, no alcanza en ningún momento un verdadero espíritu satanique, quedándose en lo puramente formal. A medida que avanza el film, Corman se recrea complacido en la delicada, pero estéril, belleza de los decorados, del vestuario, así como en la reiterada exhibición de curiosos hallazgos visuales oscilantes entre lo provocativo y lo evanescente -como las habitaciones amarilla, negra y blanca, utilizadas a modo de elegantes cámaras de martirio, que preceden al altar dedicado a Satán-. Por este motivo, "La máscara de la muerte roja" se ve con agrado, pero sin experimentar ningún tipo de estremecimiento moral.

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad


Curiosidades:

- Corman intentó que esta película mostrara un aire más suntuoso que sus producciones anteriores, para lo cual empleó unos decorados erigidos para la filmación de la película "Beckett", que habían quedado libres.


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El relato original de Edgar Allan Poe:

http://www.youtube.com/watch?v=0sxRPR7V_d4

http://www.youtube.com/watch?v=tJQAe6we0g0

[darkland]

http://img192.imageshack.us/img192/1144/frankenstein1910a.jpg

1910. USA. Edison Company. 16 minutos. B/N
Director: J. Searle Dawley
Producción: Thomas A. Edison
Intérpretes: Augustus Phillips, Charles Ogle, Mary Fuller

1910 fue el año en el que el monstruo de Frankenstein fue llevado a la pantalla por primera vez, aunque son muchos los que cometen el error de considerar como primera adaptación shelleyana un cortometraje de 1902 titulado "Frankenstein Trestle" de la American Mutoscope, que no es más que una guía turística de un pueblecito de New Hampshire en la época en la que se estaba instalando el tendido eléctrico. Curiosamente, esta aldea se llama igual que el ficticio creador del monstruo. "Frankenstein" no es una fiel adaptación de la historia que Mary W. Shelley concibiera en 1816 en una aburrida tarde de lluvia, según reza la leyenda. No se podían llevar a la pantalla los brutales asesinatos que aparecían en la obra literaria porque habrían escandalizado y horrorizado a los espectadores de la época. Incluso la productora, la Edison Company, aclaraba en la propaganda que se utilizó para promocionar el film, ¡que se había tenido un especial cuidado en eliminar las situaciones verdaderamente repulsivas y en concentrarse en los problemas místicos y psicológicos de la narración! Una pena.

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En esta versión, un joven estudiante de medicina, Victor Frankenstein (Phillips) intenta crear al ¡hombre perfecto! en un caldero lleno de productos químicos (Shelley, como ya hemos dicho, no aclara en su obra cómo se lleva a cabo la reanimación de la criatura). De la ¡olla mágica! surgirá un ser realmente monstruoso, el extremo opuesto a toda perfección (Ogle). El monstruo intentará raptar a la novia de su creador en la noche de bodas (Fuller) y tras una violenta lucha con Frankenstein, huirá y desaparecerá para siempre, ¡vencido por el amor!. El resultado fue tan aterrador que muchas salas se negaron a proyectarla. De hecho, lo mejor de la película es el monstruo, un monstruo que aún hoy consigue estremecer con su enorme rostro blanco, su electrizada melena y su bizquera. El propio Ogle se encargó del maquillaje (convirtiéndose así en un precedente del mítico Lon Chaney) y como más tarde afirmaría, estaba basado fielmente en la descripción que Shelley hace de su Criatura. También es recomendable la película por exponer de forma explícita algo que ya era evidente en la novela, y que hasta las relativamente recientes producciones de la Hammer no se ha explotado a pesar de su poder de fascinación: la identificación del creador y la criatura. Aquí se muestra cuando Frankenstein se mira en un espejo e imagina que se cuerpo se transforma en la maltrecha silueta del monstruo. En conclusión, una obra a tener en cuenta, más que por el resultado en sí, por lo que representa: fue la primera vez que el monstruo de Frankenstein vio la luz a través del cine junto a la configuración de un prototipo de mad doctor aún en una concepción muy primitiva, cerca de los alquimistas medievales que se han establecido oficialmente como abuelitos de los mad doctors.


Fuente: Laboratorio infernal
Autores: Isabel García y Pedro Berruezo


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La película completa:

http://www.youtube.com/watch?v=TcLxsOJK9bs

[darkland]

Gracias a su trabajo como maquillador en títulos tan legendarios como "El doctor Frankenstein" (1931) y "La novia de Frankenstein" (1935), ambas dirigidas por James Whale, "La momia" (1932), de Karl Freund, y sobre todo, "El hombre lobo" (1941), de George Waggner, el mago de la caracterización durante la época de esplendor del "Terror Universal", Jack Pierce, es considerado uno de los grandes pioneros en su especialidad.

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Nacido el 5 de mayo de 1889 en Grecia como Janos Piccoulas, emigró a los Estados Unidos cuando era apenas un adolescente. Primero probó suerte como jugador de béisbol, aunque el cine pronto lo cautivó; Pierce desempeñó diversos trabajos dentro de la incipiente industria fílmica norteamericana -stuntman, ayudante de dirección, Production Manager...-, hasta que consiguió hacerse un hueco como actor secundario en títulos como "The man who waited" (Edward Ludwig, 1928) o "El circo" (Charles Chaplin, 1928). Su corta estatura le impidió progresar en su carrera interpretativa, por lo que decidió dedicarse a la caracterización y al maquillaje, con trabajos destacados en "El mono habla" (Raoul Walsh, 1927) -donde creó un divertido chimpancé parlante, "doble" de uno real-, y especialmente, "El hombre que ríe" (Paul Leni, 1928) -resulta inolvidable el estremecedor rictus-risa que luce el actor Conrad Veidt en la película, y cuya imagen inspiró a Bob Kane para crear el personaje de Joker, el archienemigo de Batman-, dos títulos que captaron la atención de Carl Laemmle Sr., propietario de los estudios Universal, que lo contrató como jefe del recién instaurado Departamento de Maquillaje. Allí crearía las caracterizaciones del films como "Drácula" (Tod Browning, 1931), "La legión de los hombres sin alma" (Victor Halperin, 1932), "El cuervo" (Lew Landers, 1935), "La torre de Londres" (Rowland V. Lee, 1939), "La reina cobra" (Robert Siodmak, 1944) o "Vestida para matar" (Roy William Neill, 1946). Pero los tiempos cambiaron, los monstruos dejaron de interesar al público, Universal entró en una crisis financiera, y los métodos de Pierce quedaron anticuados, además de ser complejos, incómodos para los actores y muy caros. El maquillador solía emplear colodión -una de las formas en las que se encuentra disponible la nitrocelulosa-, material inflamable e irritante que fue reemplazado por el látex, así como plásticos duros (polímeros del fenol), masilla y algodón. Por todo ello, fue despedido en 1948 del estudio y no tuvo más remedio que diversificar su actividad profesional entre el cine de serie B -"El cerebro del planeta Arous" (Nathan Juran, 1957)- y la televisión -"Mister Ed" (1961-1964)-. Retirado del cine a mediados de los años sesenta, falleció olvidado por todos en su casa de Los Angeles, el 19 de julio de 1968.

Fuente: Imágenes de Actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[Maldo]

Un grande dark!!
por empezar esto es genial, La brujería a través de los tiempos (Haxan) esta en mi top 10 de fantasia!

Saludos! :maldo:

[darkland]

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En 1930, el Art Institute of Chicago exponía por primera vez al público la que iba a convertirse en una de las pinturas estadounidenses más populares de todos los tiempos, titulada "American Gothic". Obra del artista norteamericano Grant Wood (1891-1942), el lienzo muestra a un hombre de mirada inquietante y magro de carnes, sosteniendo una horca, junto a una mujer joven de gesto no menos arisco, ambos situados delante de una casa de estilo Carpenter Gothic, típica del Medio Oeste americano. Los modelos, que posaron por separado, eran la hermana del pintor, Nan, y su dentista, el Dr. Byron McKeeby.

No obstante, sin ser una obra de temática abiertamente macabra y/o fantástica, su áspera y sugerente iconografía ha sido motivo de inspiración para numerosos ensayistas fílmicos a la hora de definir qué es el American Gothic, o el cine de horror típicamente estadounidense. Localizado fundamentalmente entre 1968 -año del estreno de "La noche de los muertos vivientes" (George A. Romero, 1968)- y finales de los años setenta -cf. "La noche de Halloween" (John Carpenter, 1978)-, principalmente en producciones de bajo presupuesto -"Dead of night" (Bob Clark, 1972)- y algún que otro producto amparado por una major -cf. "El exorcista" (William Friedkin, 1973)-, el American Gothic cinematográfico aborda el horror desde una perspectiva contemporánea y cínica: trata sobre la desintegración de la familia, de la estructura social tradicional -"Las colinas tienen ojos" (Wes Craven, 1977)- y los terrores de la "América profunda"; habla de serial killers -"Deranged" (Jeff Gillen & Alan Ormsby, 1974), "Trampa para turistas" (David Schmoeller, 1979)-, y proporciona enfoques más sordidos a temas "tradicionales" como el vampirismo, el satanismo o las casas embrujadas -"Martin" (George A. Romero, 1976), "La lluvia del diablo" (Robert Fuest, 1975), "Terror en Amityville" (Stuart Rosenberg, 1979)-, sin olvidar historias de la locura y muerte propias del más desmedido Grand Guignol -"¿Qué le pasa a Helen?" (Curtis Harrington, 1971), "The toolbox murders" (Dennis Donnelly, 1977)-, o estremecedoras historias de violencia y sexo -"La última casa a la izquierda" (Wes Craven, 1972)- y canibalismo -"La matanza de Texas" (Tobe Hooper, 1974)-, siempre ambientadas en los USA de ese periodo, el de la guerra del Vietnam y el escándalo Watergate, el de la crisis del petróleo y el aumento de la inseguridad ciudadana, el del fin del Hollywood clásico y el afianzamiento de una cierta contracultura artística.

Fuente: Imágenes de Actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

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Dirigida por Robert Wiene en 1920, con Werner Kraus, Conrad Veidt, Friedrich Fehrer, Lil Dagover, Rudolf Lettinger.

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Sinopsis: El doctor Caligari exhibe a su sonámbulo, Cesare, que puede predecir el futuro. Uno de los espectadores, Alan, pregunta cuánto va a vivir, a lo que Cesare replica que está condenado. Cuando Alan es asesinado, Cesare se convierte en el primer sospechoso del crimen, y cuando secuestra a la novia del fallecido, Jane, las cosas se complican aún más para el atribulado esclavo del doctor Caligari.

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Comentario: Es la película clave con la que arranca el expresionismo alemán, hasta el punto que dicho movimiento fue denominado por algunos críticos del momento como "Caligarismo". Especie de manifiesto fundacional de la corriente, la película iba a ser dirigida inicialmente por Fritz Lang, pero dicho realizador rechazó el proyecto para ocuparse de otro largometraje, aunque sus sugerencias sobre la apertura y el desenlace del filme fueron respetadas por Robert Wiene. Las limitaciones de iluminación en el interior del estudio obligaron a emplear telas pintadas a modo de decorado en las que se dibujaron luces y sombras, un procedimiento heredado del teatro que con sus líneas truncadas marcó el arranque del expresionismo atrayendo además el interés de los intelectuales por el cine como medio artístico. Previamente las películas eran consideradas por los representantes de la intelectualidad como poco más que atracciones de feria, un vehículo de evasión infantiloide. Tras el estreno de "El gabinete del doctor Caligari" esos prejuicios empezaron a desaparecer. Para muchos estudiosos del género de terror, se trata de la primera muestra cinematográfica completa del mismo. Por otra parte la película sirvió para romper el aislamiento a que había sido sometido el cine alemán tras la primera guerra mundial, así como para hacer una crítica sobre la grave situación social que padecía el país y más concretamente al Káiser, que había conducido a los alemanes a la locura de la guerra del mismo modo que el doctor Caligari manipulaba a Cesare para que cometiera crímenes. Dicho extremo quedó diluido e incluso totalmente borrado con un prólogo y un epílogo añadidos al relato del sonámbulo en los cuales se hacía patente que éste era un loco. Clásico del cine mudo, este filme contó con una especie de remake muy lejano y ajeno al original, "El gabinete del doctor Caligari" (The cabinet of Caligari), dirigido en el año 1962 por Roger Kay con un guión de Robert Bloch y protagonizado por Glynis Johns, Dan O'Herlihy, Richard Davalos y Lawrence Dobkin. En su argumento el coche de una mujer se estropea cerca de la propiedad del doctor Caligari, un pervertido. Salpicada con algunos elementos de influencia freudiana, apenas guarda relación con el film de Wiene. Más próximo en su argumento al original es "The Cabinet of Doctor Caligari", dirigida en 2006 por David Lee Fisher, y con Judson Pearce Morgan, Daamen J. Krall y Doug Jones como protagonistas. En la misma se sigue casi escrupulosamente el planteamiento visual de la original, lo que convierte la película en un homenaje a la estética del expresionismo.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán


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Libro en inglés sobre el movimiento expresionista en el cine: Contenido visible sólo para usuarios registrados

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Titulo original: "White Zombie"
Director: Victor Halperin
Intérpretes: Bela Lugosi, Madge Bellamy, Joseph Cawthorn, Robert Fraser

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La película que inauguró formalmente la historia de la zombigrafía. Los hermanos Halperin, cuya productora fue una de las pioneras de la genuina serie B y del cine de bajo presupuesto, legaron a la posteridad una buen puñado de títulos fantásticos, no del todo mal considerados. Entre ellos otro mediocre film de nuestro género, "Revolt of the zombies", en 1936, aunque es sin duda este "White zombie" el más recordado de sus éxitos.

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Fue Victor Halperin quien tuvo la idea, aunque los zombis flotaban en el ambiente. En 1929 había aparecido el clásico de William Seabrook, "The magic island", dedicado a los misterios de Haití y del vudú, y su capítulo -muchas veces publicado como reportaje o relato independiente- "Dead men working in the cane fields", es decir, "Los muertos trabajan en los campos de caña", le sugirió a Halperin la idea de rodar una película de terror sobre el tema de los zombis haitianos, usando rápidamente los decorados usados -y hasta el maquillador de los estudios, Jack Pierce- en las producciones de horror de la Universal, y con Bela Lugosi en el papel del villano estelar, como Murder Legendre, mago e hipnotizador, creador de muertos vivientes a su servicio. Para escribir la historia, los Halperin contrataron a un verdadero experto, Garnett Weston, que había escrito acerca de Seabrook y que, bajo el pseudónimo de G.W. Hutton, también había aportado su granito de arena a la literatura zombi: "Salt is not for slaves", un relato basado en el mito según el cual los zombis no pueden probar la sal, puesto que al hacerlo despierta y su conciencia les dirige enloquecidos a sus tumbas originales, donde se entierran voluntariamente, al comprender que ya pertenecen al reino de los muertos.

El resultado de esta colaboración memorable a tres bandas (los Halperin, Weston y Lugosi) es una joyita y uno de los mejores de los escasos films de zombis que se remiten directamente al vudú y la mitología afrocaribeña, aunque, como en tantas otras ocasiones, sea de nuevo un blanco el verdadero hechicero. Ningún aficionado puede olvidar las apariciones de los esclavos zombificados, con su aspecto cadavérico y completamente ido, o el entierro vudú con el que tropiezan los protagonistas a su llegada a la isla. Además de, naturalmente, las manos y los ojos de Lugosi, utilizadas en numerosos y obsesivos planos, que volverían a emplearse años después en "Revolt of the zombies".

Aunque la trama argumental es simplemente otra intriga característica, inspirada, como la de la mismísima "La momia" de Karl Freund, en la estructura clásica del "Drácula" de Stoker, los detalles folclóricos, la música (con la orquesta de Xavier Cugat) y la excelente interpretación de Lugosi, posiblemente la mejor de su carrera y la que marcaría para siempre su futuro, hacen de la película un clásico del cine fantástico, que ganó millones en su día (aunque el pobre Bela Lugosi sólo sacó 800 dólares por su trabajo) y que abrió las puertas de Planeta Zombi de par en par a la industria cinematográfica.

Lástima que los Halperin mismos fueran incapaces de aprovechar el éxito de su película, prescindiendo de Garnett Weston (que moriría en 1948) para su segunda incursión en el género, decididamente mediocre y fallida.

Fuente: Planeta zombi
Autor: Jesús Palacios

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Esta es una película que vi hace ya bastantes años y que me sorprendió muy gratamente. Es totalmente original, todavía no he visto ninguna parecida (aunque viendo la obsesión que tiene últimamente el cine norteamericano por los remakes, no me extrañaría que hiciesen el suyo un día de éstos). En fin, un acercamiento ciertamente curioso al mundo de la licantropía

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Director: Michael Wadleigh (y John Hancock)
Guión: David Eyre y M. Wadleigh (y Eric Roth), según la novela "El despertar de los lobos (Wolfen) de Withley Strieber.
Fotografía: Gerry Fisher
Música: James Horner
Efectos especiales: Carl Fullerton (maquillaje), Robert Blalack (efectos visuales)
Intérpretes: Albert Finney, Diane Venora, Edward James Olmos, Gregory Hines, Tom Noonan, Dick O'Neill



No cabe duda que los inicios de los 80 fueron años gloriosos para los hombres lobo. Con anterioridad había venido "Aullidos", y aún habrían de venir "Un hombre lobo americano en Londres" y "En compañía de lobos". En el interín, apareció esta película que hoy está un tanto olvidada, cuando su interés es enorme.

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Su director es Michael Wadleigh, misterioso individuo que sólo tiene otra película en su haber como realizador, el mítico documental/concierto "Woodstock" (Woodstock, 1970) -amén del director's cut que elaboró éste en 1995-, e incluso en el caso que nos ocupa sus responsabilidades no fueron al cien por cien: abandonó el rodaje antes de su finalización y parte de la película fue rodada por John Hancock, individuo no menos misterioso aun: podría tratarse de John D. Hancock director del sobrevalorado film de terror "Let's scare Jessica to death" [tv: La maldición de los Bishop, 1971] y algunos episodios de las series televisivas "Canción triste de Hill Street" (Hill Street Blues) y "Dimensión desconocida" (The [New] Twilight Zone). Sea como fuere, lo cierto es que "Lobos humanos" es una de las más atípicas y sugestivas películas de licántropos jamás rodadas; y ni siquiera podría considerarse, desde cierto punto de vista, como "una película de licántropos".

El título original no es el sustantivo alemán para "lobos", sino que es una contracción de las palabras inglesas "wolf" (lobo) y "men" (hombres"; en la edición argentina de la novela el traductor lo convierte en "lobombres". Pues las criaturas de la película no son hombres lobo tradicionales (no hay efectos de transformación en el film), sino unas entidades cuasi-metafísicas, una especie de sublimación, de fusión anímica entre el indio americano y el lobo, hasta alcanzar un estadio de cuasi-divinidad. Es, digamos, la visión metafísica de lo mismo que en la novela de Jack Williamson "Darker than you think" se nos explicaba desde una perspectiva de ciencia-ficción. La idea planteada sería, por tanto, no un licántropo, sino una manifestación de la espiritualidad del pueblo indio; los lobos habitan en una iglesia abandonada, que representa la espiritualidad de los americanos, la unión del hombre con la naturaleza es singularizada por los lobos, por lo cual aquí, lo salvaje, la parte bestial del humano, no es el lado oscuro del hombre, sino su unión con la naturaleza y la tierra. En todo caso se podría decir que son licántropos astrales o mentales, y los indios se convierten en lobos como reflejo de su unión con la naturaleza.

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Esto nos conduce hacia las diferencias con la novela de Withley Strieber, porque el film es una adaptación libérrima: el libro se centra en la lucha de dos policías muy distintos entre sí, George Wilson y Becky Neff, contra unos seres que son lobos casi humanos, tanto en la inteligencia como en el aspecto, una especie híbrida de lobo y hombre, aunque con las características principales del cánido, unos seres que supusieron el comienzo de las leyendas sobre licántropos. El autor se ciñe más a la orientación policial de la historia que al aspecto espiritual de los lobos y los humanos; la novela es un excelente relato de policías con toques de terror, mientras que la película se centra más en la interrelación mística del hombre con la naturaleza. Otro de los cambios se refiere a los personajes: ninguno de ellos es similar a los del libro, son por completo diferentes aunque lleven nombres parecidos. En realidad, la novela y la película son distintas, pero no se invalidan la una a la otra: ambas son valiosas por sí mismas.

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Wadleigh inicia el film con una escena vertiginosa del asesinato de un importante hombre de negocios, su esposa y su guardaespaldas, junto a un molino de viento que otorga una magistral atmósfera. Rodada con planos subjetivos de los atacantes, por medio de virados y con una steady-cam que por aquel entonces resultaba revolucionaria (en un proceso que se denominó Alienvision, así es nada), la escena remite, en planificación y uso del elemento criminal como un constituyente artístico, al cine de Dario Argento. Sin embargo, lo que sigue abandona estos derroteros, implicándose más en una investigación pausada y reflexiva que en las tramposas y operísticas elucubraciones del realizador romano. Con todo, Wadleigh se permite desarrollar algunas escenas más atmosféricas del reciente cine de horror, cabiendo sumar a la de la presentación la del acecho en la iglesia en ruinas, todo un prodigio de sugerencia e inquietud.

Fuente: Licántropos en el cine
Autor: Carlos Díaz Maroto

[darkland]

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Nacido en Rusia como Vladimir Leventon (1904-1951), sobrino de la bailarina Alla Nazimova (1879-1945) -bailarina y actriz, formada personalmente por Stanislavsky, fue ella quien se trajo al joven Vladimir a Estados Unidos-, escritor de novelas pulp -algunas de ellas pornográficas, firmadas con los seudónimos Carlos Keith y Cosmo Forbes-, publicista, escritor de guiones y productor de segundas unidades en la compañía de David O. Selznick,, Val Lewton empezó a trabajar como productor en la RKO en marzo de 1942. Su primer cometido, por encargo del vice-presidente Charles Koerner, fue responsabilizarse de una unidad de serie B del estudio para producir películas de terror "de calidad", capaces de competir con la Universal, pero también con la Paramount -"Los intrusos" (Lewis Allen, 1944)-, la MGM -"El extraño caso del Dr. Jekyll (Victor Fleming, 1940)-, PRC -"The mad monster" (Sam Newfield, 1942)- o Monogram -"The ape man" (William Beaudine, 1943)-. El primer acierto de Lewton fue apartarse de clichés y convencionalismos, hacer del cine de terror algo tan serio como lo fue "La diligencia" (John Ford, 1939) para el western o "El halcón maltés" (John Huston, 1941) para el cine negro.

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Firme en su decisión, Lewton escogió el cuento de Algernon Blackwood (1869-1951) "Antiguas brujerías" como base argumental para su primer largometraje fantástico como productor, "La mujer pantera" (Jacques Tourneur, 1942). Elección muy acorde con el gusto de Lewton, que revelaba sus intenciones de sugerir, más que mostrar, el terror, o mejor dicho, aquello que nos causa el terror. Así pues, Lewton obligaba a su equipo a crear situaciones dramáticas casi abstractas, con sonidos, sombras y texturas, combinadas con recursos narrativos mucho más comunes en Hollywood, como matar personajes fuera de cuadro. Quizá ello se debiera a los peculiares métodos de trabajo de Val Lewton, sobre los que existen diferentes versiones que dan una idea muy precisa de cuál debía ser el proceso creativo de "I walked with a zombie" (Jacques Tourneur, 1943), "The seventh victim" (Mark Robson, 1943), "The leopard man" (Jacques Tourneur, 1943), "The ghost ship" (Mark Robson, 1943), "The curse of the cat people" (Robert Wise y Gunther von Fritsch, 1944), "The body snatcher" (Robert Wise, 1945), "Isle of the dead" (Mark Robson, 1945) y "Bedlam" (Mark Robson, 1946), películas que Lewton impulsó. Jacques Tourneur decía: "Val era un tipo muy concienzudo y meticuloso. Cuando pasaba por delante de su casa de noche la luz de su habitación siempre estaba encendida. Siempre solo, solía reescribir lo que debíamos rodar a lo largo del día". Por el contrario, el guionista de "La mujer pantera", "The seventh victim" y "The curse of the cat people", De Witt Bodeen (1908-1988), explicó: "'La mujer pantera' fue un trabajo en equipo. Val tenía la idea inicial, yo escribía la historia y el guión, cooperando con Val y Tourneur, a la vez que ellos lo hacían con Mark Robson, que era el montador y más tarde con Roy Webb, que componía la música. Tourneur fue enteramente responsable del estilo visual de la película, pero si lees el guión todo está allí, simplemente era un trabajo en equipo".

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

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El Dr. Mabuse, genio supremo del mal, fue una creación del escritor luxemburgués Norbert Jacques (1880-1954), para su novela "Dr. Mabuse" (1922). En dicha novela ya se definían varias de las principales características del personaje, fuertemente enraizado en el arquetipo del Mad Doctor: sus grandes habilidades para el disfraz, al igual que Fantômas, así como su capacidad para la telepatía y la hipnosis. Al contrario que otros infames personajes como Fu-Manchú, que cometen sus crímenes mediante una red de colaboradores y agentes, Mabuse actúa en persona ayudado por criminales que le siguen debido a un conjunto de deseos, temores, hipnosis, carisma, manipulación... Una de las características de los actos criminales de Mabuse es la minuciosidad de los planes, que alguna vez llegan a programarse con extrema precisión.

Pero será el gran cineasta germano Fritz Lang quien popularizaría a este infame personaje, además de perfilarlo política y psicológicamente con una mayor profundidad, a través de "Dr. Mabuse" (1922), "El testamento del Dr. Mabuse" (1933) y "Los crímenes del Dr. Mabuse" (1960). La perversidad del Dr. Mabuse se ajusta al perfil del dictador de rasgos claramente nazis que, asistido por una ciencia terriblemente avanzada, vanguardista -sin descartar, significativamente, la magia y el mesmerismo-, basa su poder en la anarquía, el caos y el delito. Destruir la sociedad tal y como la conocemos, levantando sobre sus cenizas un Nuevo Orden a la medida de sus ambiciones, es el diabólico plan de Mabuse. La claustrofóbica puesta en escena de Lang, especialmente en "Dr. Mabuse" y "El testamento del Dr. Mabuse", describe a la perfección este acto de aberrante subversión. La tenebrista estética del encuadre, la hipnótica lentitud del ritmo, el gesto grave de los personajes o la retorcida imaginación ostentada por las máquinas y aparatos que causan el terror, que matan, denuncian la opresiva presencia de Mabuse quien, de forma fantasmagórica, extiende su enfermiza influencia a cada plano, a cada secuencia de los films citados. Pero la fascinante experiencia propuesta por Fritz Lang no tuvo continuidad en títulos posteriores. En "El diabólico Dr. Mabuse" (1961), de Harald Reinl, "El testamento del Dr. Mabuse" (1962), de Werner Klinger, "Las garras del Dr. Mabuse" (1962), de Harald Reinl, "Scotland Yard jagt Dr. Mabuse" (1963), de Paul May, "Die Todesstrahlen des Dr. Mabuse" (1964) o "La venganza del Dr. Mabuse" (1972), de Jesús Franco, la locura megalómana de Mabuse se reduce a un simple gadget, a ratos inquietante, a ratos folklórico, servil con las convenciones del cine de espías y acción.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

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Sherlock Holmes es, sin ningún género de dudas, uno de los personajes más populares de la literatura universal, objeto de veneración por parte de millones de lectores de todo el mundo desde que, en 1887, el médico y escritor escocés Sir Arthur Conan Doyle (1859-1930) publicara la primera novela sobre el personaje, "Estudio en escarlata". Después le siguieron tres novelas más y cincuenta y seis relatos -lo que se denomina entre los especialistas el "Canon holmesiano"-, publicados en su mayoría en el "The Strand Magazine". Durante mucho tiempo se creyó que era un personaje real debido a la minuciosidad psicológica con que Conan Doyle lo perfiló en sus obras, convirtiéndolo, además, en un curioso animal de costumbres. Por otra parte, contribuyó mucho a su mitificación el hecho de que sus aventuras están siempre narradas por su amigo y colaborador el Dr. John H. Watson, antiguo miembro del ejército de Su Majestad destinado en Afganistán, pero retirado del servicio prematuramente a causa de una herida de guerra. Un hombre inteligente, valiente e intuitivo, al contrario de cómo se le ha mostrado a veces en el cine y la televisión.

Para crear a ambos personajes Sir Arthur Conan Doyle se inspiró en sus vivencias personales: Watson es su perfecto alter ego, ya que ambos poseen numerosos rasgos biográficos comunes -cf. la medicina, el servicio en el ejército inglés como galeno de campaña, su destino en las colonias de ultramar...-; por su parte, Sherlock Holmes es el vivo retrato del doctor Joseph Bell (1837-1911), mentor de Conan Doyle durante su paso por la facultad de medicina de la Universidad de Edimburgo. Bell era un hombre de gran energía -poeta aficionado, deportista y ornitólogo-, quien desarrolló un método deductivo por el cual, tras estudiar con precisión aspectos de una persona como el modo de caminar, el acento, las manos y la vestimenta, podía llegar a determinar muchas cosas. Así solía animar a sus alumnos a reconocer a sus pacientes como un zapatero zurdo o como un sargento jubilado que había servido en la India mediante la observación y la deducción lógica. El doctor Bell era consciente de que su ex alumno lo había tomado como referencia para la creación de Holmes y lo llevaba con orgullo. Incluso prologó una de las novelas del famoso detective.

Alto y delgado, irónico e ingenioso, galante con las damas pero muy misógino; aparentemente desprovisto de emociones pero sensible al dolor ajeno; fuerte y atlético, estupendo boxeador y tirador con el revólver, Sherlock Holmes tiene amplios conocimientos de botánica, anatomía, química, antropología, leyes y literatura sensacionalista (¡). Aficionado al teatro, posee una asombrosa habilidad para el disfraz y toca (mal) su violín, un valioso Stradivarius, que le sirve para relajarse mientras piensa en un caso. Su hiperactividad cerebral le ha llevado a ser un esporádico consumidor de cocaína y morfina cuando se aburre por falta de trabajo. Un hábito que el Dr. Watson deplora profundamente. Ambos comparten piso, por razones económicas, en el 221 B de Baker Street, Londres, número ficticio en una calle real situada cerca de Regent's Park. No obstante, al renumerarse la calle en 1930, el 221 B se hizo realidad y ahora es un museo dedicado al personaje y su mundo.

La célebre frase "Elemental, querido Watson" jamás apareció en las novelas y cuentos de Arthur Conan Doyle: es una invención cinematográfica. "Elemental" y "querido Watson" son expresiones que aparecen siempre por separado. El sombrero de cazador de gamos tan característico del detective nunca se menciona en la obra de Doyle: es un añadido del ilustrador de "The Strand Magazine" Sidney Paget (1860-1908) quien, además, utilizó a su hermano Walter como modelo para representar el aspecto de Holmes, e incorporó el detalle del sombrero porque él era cazador. La pipa meerschaum (espuma de mar), propia de la iconografía de Sherlock Holmes, no apareció hasta que fue utilizada en una obra teatral en 1899 protagonizado por el entonces popular actor inglés William Gillette, el cual incluyó la capa de Inverness.

Según los textos originales de Conan Doyle, después de veintitrés años de carrera, de los cuales Watson compartió diecisiete, Holmes se retiró a Sussex donde se dedicó a la apicultura y llegó a escribir un libro al respecto titulado "Manual de apicultura, con algunas observaciones sobre la separación de la reina", y también casi casualmente resolvió uno de sus casos más complicados, "La aventura de la Melena del León" (1907). Aunque posteriormente a su jubilación como detective dedicó dos años a preparar concienzudamente una importante acción de contraespionaje poco antes del inicio de la Primera Guerra Mundial. Nada más se sabe de él a partir de 1914.

Más de setenta y cinco actores han interpretado a Sherlock Holmes en teatro, cine y televisión, algunos tan famosos como Lionel Barrymore, Stewart Granger, Charlton Heston, Christopher Lee, Peter O'Toole, Leonard Nimoy (¡!) y Michael Caine, o tan exóticos como el ruso Vasily Livanov, quien se convirtió en un ídolo de masas en la extinta URSS gracias a su encarnación de Holmes en diversos telefilms producidos entre 1979 y 1986. Incluso grandes actores de la escena y el cine han dado vida al célebre inquilino del 221 B de Baker Street... en la radio, como John Gielgud en el dramático para la BBC de 1950, con Ralph Richardson como Watson.

No obstante, tres han sido los mejores intérpretes de Sherlock Holmes en la pantalla. Basil Rathbone (1892-1967) es quizás el más popular, gracias a las catorce películas rodadas entre 1939 y 1946, todas junto a Nigel Bruce como Doctor Watson. Los dos primeros títulos, "El perro de los Baskervilles" y "Sherlock Holmes contra Moriarty", ambos de 1939, estaban ubicados en la misma época de las historias originales. Ambas películas fueron realizadas por la 20th Century Fox. Posteriores episodios, los rodados por Universal Studios, empezando por "Sherlock Holmes and the voice of terror" (1942), ya fueron situados en época contemporánea, y algunos de ellos tuvieron intrigas relacionadas con la Segunda Guerra Mundial, como "Sherlock Holmes in Washington" (1943) o "Sherlock Holmes and the secret weapon" (1943). Luego vendría Peter Cushing (1913-1994), un Holmes tremendamente sofisticado, de la mano de Hammer Films y Terence Fisher con "El perro de los Baskervilles" (1959), a la que siguieron años después la mítica serie de la BBC "Sir Arthur Conan Doyle's Sherlock Holmes" (1965-1968), de la cual solamente se conservan seis episodios, según parece, por culpa de un desafortunado accidente en los almacenes de la cadena. Finalmente, Cushing encarnó al detective en su ancianidad en la cinta para Channel 4 "The mask of death" (1984). Pero en el recuerdo de muchos aficionados perdura todavía el áspero Holmes que nos brindó el excelente Jeremy Brett (1933-1995) en la serie televisiva que, entre 1984-94, produjo Granada Television, quizá el más ajustado a la idea que Arthur Conan Doyle tenía de su criatura.


Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Doctor Cyclops

[Dr.Brown]

Mucho me temo que el señor Guy Ritchie no respeta si quiera una mínima parte de esta muy buena reseña acerca de las características del personaje de Sherlock Holmes que nos trajo darkland; y también me temo que el director cometió otra torpeza, desaprovechar al excelente actor que es Robert Downey Jr.

[darkland]

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A Howard Phillips Lovecraft (1890-1937), el gran escritor estadounidense de literatura de horror, no le gustaba el cine o, mejor dicho, no le cautivaba el cine de "terror. El era un amante de la palabra escrita, y el cine fantástico que él conoció le parecía malo, pueril. Según sabemos por su abundante correspondencia, en 1931 se marchó en mitad de la proyección del "Drácula" de Tod Browning por considerar que "destroza la idea original con unos actores de opereta" (sic), y a duras penas soportó entera el "Frankenstein" de James Whale, que calificó de "decepcionante". Durante su vida, sólo en una ocasión estuvo a punto de vender los derechos de un relato suyo, "Los sueños en la casa de la bruja" (1933), a su editor en "Weird tales", Farnsworth Wright, quien estaba decidido a convertirlo en un serial radiofónico. Y aunque Lovecraft necesitaba el dinero, rechazó la oferta. Más tarde escribió: "¡Jamás permitiré que nada de mi firma sea banalizado y vulgarizado hasta convertirlo en la clase de tontería infantil que se ofrece a los públicos de la radio o el cine con la etiqueta de 'historias de terror'!".

Sin embargo, entre 1910 y 1920 Lovecraft disfrutaba con asiduidad del cine cómico o slapstick -llegó a escribir un poema dedicado a Charlie Chaplin- y manifestó públicamente su admiración hacia dos excelentes films fantásticos, "El gabinete del doctor Caligari" (1921), de Robert Wiene, con Conrad Weidt -"una de las mejores fantasías cinematográficas jamás realizadas"-, y "El fantasma de la ópera" (1925), de Rupert Julian, con Lon Chaney -"¡Qué espectáculo! Sobre todo la presencia 'embrujada' de la Gran Opera de París (...) Y la cara que se descubre cuando la máscara le es arrebatada..."-, además de "El mundo perdido" (1925), de Harry Hyot, y "Metrópolis", de Fritz Lang. Incluso hacia el final de su vida ideó un guión sobre viajes en el tiempo que jamás pasó de ser un mero proyecto... Visto todo esto, ¿qué hubiese pensado Lovecraft de películas como "The Dunwich horror" (Daniel Haller, 1970), "Necronomicon" (Christopher Gans, Shusuke Kaneko y Brian Yuzna, 1993) o "Dagon" (Stuart Gordon, 2002)?

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Doctor Cyclops

[darkland]

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Cthulhu es la deidad central de los llamados "Mitos de Cthulhu", cosmogonía de entes monstruosos venidos de otras dimensiones espacio-temporales, y de quienes emanan toda una serie de conocimientos mágicos y esotéricos recogidos por un libro demoníaco llamado "Necronomicón". Fruto de la delirante imaginación del célebre escritor estadounidense Howard Phillips Lovecraft (1890-1937), Cthulhu es un enorme monstruo con cabeza de pulpo -su cara está formada por dos grandes ojos negros y numerosos tentáculos- y cuerpo de dragón, incluidas sus alas membranosas, como la de los murciélagos. Su cuerpo escamoso está compuesto de una sustancia distinta a las que se encuentran en nuestro planeta, como una especie de masa gelatinosa que lo hace prácticamente indestructible. Yace muerto (¿?) entre los restos de la mística ciudad submarina de R'lyeh -hundida, se dice, en las profundades del Pacífico-, pero aun muerto Cthulhu sueña, y sus sueños a veces influyen de modo espantoso en el tridimensional mundo de los hombres. De todas formas, Cthulhu espera revivir con la ayuda de toda clase de ocultistas para volver a extender su poder maligno sobre la Tierra.

Cthulhu y el resto de los denominados Primigenios, divinidades de pueblos casi desaparecidos y adoradas actualmente por extrañas sectas y hechiceros, resultan ser entidades alienígenas que habitualmente luchan contra los humanos y su universo. No se sabe exactamente cómo se pronuncia el nombre de Cthulhu, y eso ha disparado la imaginación de los lectores de Lovecraft, quienes han propuesto todo tipo de vocalizaciones: unos dice K'tulú o K'zulú, Cethulhu (con "h" aspirada, es decir, Cetjulju), otros optan por un directo Katulu o Kajulú. Pero no olvidemos que, según las narraciones del literato norteamericano, el hombre de Cthulhu no puede ser pronunciado por el aparato fonológico humano. Su primera y única aparición como protagonista de un relato de H.P. Lovecraft fue en "La llamada de Cthulhu", publicado en febrero de 1928 en la revista pulp "Weird Tales". No obstante, su presencia se detecta en todos los relatos del Ciclo que escribió, como "El horror de Dunwich" (1929), "En las montañas de la locura" (1931), "La sombra sobre Innsmouth" (1936) o "La cosa en el umbral" (1937).

Como anécdota recordar que el aspecto del villano Davy Jones (Bill Nighy), una de las presencias destacadas de la reciente "Piratas del Caribe: el cofre del hombre muerto" (Gore Verbinski, 2006), es Cthulhu in person. Detalle que proporciona una de las mejores secuencias de la película: recordemos, por ejemplo, el instante en que Jones, como perfecto sosias del Nemo de Julio Verne, toca el órgano en su camarote utilizando los tentáculos de su rostro.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Doctor Cyclops

[darkland]

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"Doble asesinato en la calle Morgue" fue el premio de consolación que Robert Florey obtuvo por parte de la Universal, tras perder su oportunidad de dirigir la versión de "Frankenstein", proyecto que como es bien sabido terminó en las acertadas manos de James Whale. Se trataba de versionear otra obra, esta vez de Edgar Allan Poe, aunque para este proyecto se dispuso de mucho menos presupuesto que para "Frankenstein".

Bela Lugosi encarnaba al doctor Mirakle, un retorcido mad doctor cuyos objetivos se centraban en la creación de una nueva raza a través del apareamiento de una mujer con un simio llamado Eric. Según declaró Florey, Lugosi se adaptó a la perfección al papel del doctor Mirakle. Y tanto, porque el entrañable actor húngaro consiguió en "Doble asesinato en la calle Morgue" su mejor y más terrorífica interpretación, junto a la de Ygor en "La sombra de Frankenstein" y "The ghost of Frankenstein".

La MGM estaba probando suerte con films exagerados y grotescos, como "La máscara de Fu Manchú" (The mask of Fu Manchu, 1932) o "La parada de los monstruos" (Freaks, 1932). La Universal decidió imitarla, por lo que el riesgo tampoco era tanto. Fue un éxito aunque, por descontado, no pudo igualar al estreno el año anterior de "Frankenstein". Los decorados consiguieron recrear un verdadero ambiente de pesadilla con claras reminiscencias expresionistas (que afectan también a la historia, que se acerca en numerosas ocasiones a "El gabinete del doctor Caligari", como cuando Erik deambula por los tejados). La influencia germana aparece claramente explícita en las claras similitudes gorila de Mirakle/sonámbulo de Caligari y, sobre todo, en la atmósfera que rodea al misterioso doctor Mirakle, cuando este lleva a cabo sus predicciones en una tienda de una feria o en su artificioso laboratorio, repleto de escaleras, pisos, trampas y trampillas, cruces y crucecillas, luces y sombras.

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Lo más curioso del caso es que, en el fondo, la trama sigue fielmente el cuento de Poe, y no solo porque el héroe (también visitante de la Morgue, pero no como detective, sino como estudioso) se llame Dupin. Aquí, desde el doble asesinato que no es tan doble asesinato como en el cuento y exceptuando el personaje de Mirakle, inexistente en el cuento, todo sigue, a veces con una fidelidad asombrosa (los chistes sobre el idioma del mono) el argumento del original literario. Y cuando se toma más libertades es, precisamente, al inicio, cuando se presenta a Mirakle, a sus inquietudes científicas... la Universal cambió el montaje original de Florey al creer que el crudo comienzo podría traumatizar a los espectadores: Mirakle perseguía a una prostituta entre la niebla, a la que posteriormente llevaba a su laboratorio.

Bela Lugosi es el centro de atención y su típica sobreactuación teatrera ayuda a darle un toque particular al papel del desquiciado doctor. Esto, acompañado por el, en su época, fortísimo tema (aún hoy lo sigue siendo: sin miramientos de ningún tipo se habla de apareamientos entre mujeres y simios) y la brillante puesta en escena de Florey (gracias a unos travellings sucios y unas panorámicas muy violentas) la convierten en una pequeña joya del fantástico. Florey no era un segundón, como pretendían los ejecutivos de la Universal; su afán experimentador y su fluidez narrativa se dan la mano en la preciosa e impresionante escena de la merendola en el campo. No es nada ocioso preguntarse pues, qué tal habría quedado un "Frankenstein" dirigido por Florey.

Fuente: Laboratorio infernal
Autores: Isabel García y Pedro Berruezo


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Y al hilo de "Piratas del Caribe: el cofre del hombre muerto", no está de más recordar que el barco de Davy Jones es llamado por todos los personajes de la película El Holandés Errante. Según las leyendas sobrenaturales marinas del siglo XVII, El Holandés Errante es el navío fantasma capitaneado por el holandés Hendrik Van Der Decken -o Van Demien, o Van Straaten-, quien, en medio de una aterradora tormenta, muy cerca del cabo de Buena Esperanza (Sudáfrica), lanzó un espantoso juramento que se oyó por encima del estruendo de la tempestad: "Desafío al poder de Dios a detener el curso de mi destino y de mi resuelta carrera. Ni el mismo diablo despertará mi temor. Aunque tenga que surcar los mares hasta el día del juicio". Como castigo por su blasfemia, un ángel del Señor ordenó que Van Der Decken vagara para siempre por los océanos "hasta que las trompetas de Dios rasgasen los cielos". Según los marineros franceses del siglo XVIII, el Holandés Errante es capaz de enviar borrascas, hundir barcos y arrojarlos desde lo alto, así como de cambiar de aspecto a voluntad. Su tripulación está tan maldita como su capitán porque la componen pecadores en grado extremo...

Curiosamente, en tiempos recientes, existen testimonios de marinos de contrastada profesionalidad y salud mental que aseguran haber visto un gran barco de vela similar a los existentes en el siglo XVII, enmohecido por el paso del tiempo, navegando entre la niebla o de noche, por diversos lugares del globo. Así pues, dentro de la literatura sobre lo paranormal, se cita con frecuencia un informe oficial del almirante nazi Karl Dönitz (1891-1980), quien aseguraba haber visto junto a sus hombres, en el transcurso de unas operaciones militares al este de Suez el barco espectral más célebre del mundo: El Holandés Errante.

El mito de El Holandés Errante ha servido de base y/o inspiración para diversas películas: tenemos una romántica interpretación de la leyenda en "The Flying Dutchman" (1923), de Lloyd B. Carleton, la cual no supera a la excelente película fantástica del estadounidense Albert Lewin "Pandora y el holandés errante" (1951), protagonizada por Ava Gardner y James Mason -resulta inolvidable la secuencia en que Mason narra el origen de su maldición, con esa tripulación invisible, fantasmal, que prepara el barco para navegar...-; sin olvidar la peculiar visión del mito que el cine español de los setenta nos ofreció con "El buque maldito" (1974), del realizador gallego Amando de Ossorio. Pese a su probada mediocridad, chapoteando -nunca mejor dicho- en los parámetros estéticos y dramáticos de la más espuria serie Z, "El buque maldito" tiene, aunque parezca increíble, una secuencia memorable -la larga agonía de Bárbara Rey mientras es masacrada lenta y sistemáticamente por los muertos-vampiros- y disfruta de una buena fotografía tenebrista de Raúl Artigot, quien intenta ocultar atmosféricamente las escandalosas carencias en lo tocante a decorados y diseño de producción de las que adolece "El buque maldito".

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Doctor Cyclops

[darkland]

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Supuso este el filme de sketches de la Amicus con mayor recaudación en el box office internacional, tal vez debido a la atinada idea de Milton Subotsky de adaptar por primera vez los cómics creados en los años 50 por Bill Gaines y Ald Feldstein para la E.C. Es indudable que esta decisión favoreció la rentabilidad del producto, pero también es cierto que la película se contagió de los defectos palpables que contenían aquellos entrañables magazines norteamericanos; de este modo, si las anteriores entregas de la serie -como "Dr. Terror" o "Torture garden"- maravillaban por guardar tricks finales tan sorpresivos como los de la influyente "Al morir la noche", en "Condenados de ultratumba" se tendió a simplificar tanto la trama como las resoluciones, consiguiendo parecer más que un ejercicio fílmico una revistilla impresa en movimiento. Sólo los dos primeros segmentos de la función contradicen esta teorían incluso hasta el punto de presentar al director Freddie Francis como un profesional más competente de lo que suele ser considerado; la supuesta artesanía de Francis se transforma en virtuosismo cuando no duda en utilizar un variado abanico de recursos, ya sean travellings circulares en "And all through the house", ya sea la cámara subjetiva de "Reflection of death". A partir de "Poetic justice" la calidad del filme se resiente, sosteniéndose este capítulo sólo por la presencia de un Peter Cushing fiel a sí mismo. Los tres episodios comparten esa moraleja tan british que parece advertir sobre la muerte de quien atenta contra la vida familiar. El delirio se adueña de "Wish you were here" en un intento fallido de tratar con humor negro y sarcasmo la historia del objeto mágico que cumple tres deseos, mientras que en "Blind alley" ocurre todo lo contrario: el desarrollo de la venganza, que unos ciegos maltratados cometen contra el gerente del hogar donde viven, es tan largo y lineal que se antoja cansino hasta para el espectador más paciente. La historia principal reune a los protagonistas de los cinco cuentos, prestos a pagar por sus pecados, frente a un monje interpretado por Ralph Richardson; lástima también que el "Crypt Keeper" encarnado por el actor británico haya sido concebido sin la socarronería del dibujo original, remadando unos resultados no carentes de encanto pero en exceso desiguales.

Fuente: Quatermass 6 (Antología del cine fantástico británico)
Autor: Juan M. Corral

[darkland]

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Primera película de Mario Bava, "La máscara del demonio" está basada en la novela corta de Nikolai Gogol, "El viji" (1835), si bien, tal como reconococería el director, apenas quedaron nada más que algunos nombres. La historia parte de un soberbio prólogo, donde la joven Asa, interpretada por la perturbadora Barbara Steele, sacerdotisa de una secta satánica, va a ser quemada en una hoguera por su hermano, el Gran Inquisidor. Antes de morir, le colocan la "máscara del demonio", cuyo reverso está salpicado de clavos que van a hundirse en el rostro de la bruja. En ese momento, Asa maldice a su hermano y jura vengarse en sus descendientes. Doscientos años después, revivirá merced a la imprudencia de dos viajeros. Más allá de una historia muchas veces narrada con pequeñas variaciones, lo mejor y más destacable es la forma en que Bava la transmite, mediante una estética extraordinaria, de preciosista y precisa fotografía, que magnifica el género denominado terror gótico. En particular, Bava juega con la contraposición de elementos. El fuego representa la muerte (esa hoguera que quema a la hechicera, esa chimenea que anuncia con su luz la muerte del príncipe y de dos perros, ese fuego que ilumina las pupilas vacías de Asa devolviéndole a la vida); su reverso, el agua, simboliza la vida (la lluvia apagando el fuego de la hoguera inquisitorial e impidiendo la muerte total de Asa, la lluvia permanente que rodea el momento de su vuelta a la vida, la lluvia como colofón de la película... después sólo está la muerte). Aparte de estos juegos simbólicos de gran eficacia, "La máscara del demonio" me parece una de las películas donde la cámara se pasea de una forma más armoniosa y eficaz por los decorados. Momentos ejemplares se suceden en su escasa hora y media de duración. Señalaré uno: la bajada al sepulcro de los dos visitantes es visualizada mediante un inusual plano circular de 360 grados, que nos muestra el espacio y el significado de su leyenda, ejemplificando en el féretro y la cruz que lo vigila, cruz que una vez rota por desgraciado accidente origina el despertar de Asa, previa aparición de la lluvia. A continuación, tras un corte brusco de plano, vemos por primera vez, sin que entonces lo sepamos, a la princesa Katia (la misma Barbara Steele) acompañada de dos perros. En apenas un minuto, la tensión se ha disparado: vida y muerte van cogidas de la mano de dos personajes y una misma actriz. Sin duda, "La máscara del demonio" constituye una de las obras más redondas del cine fantástico.

Fuente:Quatermass 7 (Antología del cine fantástico italiano)
Autor: Rafael Arias Carrión


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Termino inglés que alude a los ladrones de tumbas que, entre los siglos XVIII y XIX, solían traficar con los cuerpos de fallecidos recientes a fin de vendérselos a buen precio a aquellos cirujanos y doctores que, quebrantando la ley, requerían cadáveres frescos para sus disecciones anatómicas y estudios morfológicos. Pero la expresión Body Snatcher se popularizó a raíz de uno de los relatos más memorables del escritor escocés Robert Louis Stevenson (1850-1894) titulado "El ladrón de cadáveres ("The body snatcher", 1885), inspirado en un hecho real acaecido en su ciudad natal, Edimburgo.

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Burke y Hare, los "resurreccionistas de Edimburgo", eran unos emigrantes irlandeses, ladrones y pendencieros, quienes con intención de ganarse una pocas libras para costear sus borracheras empezaron a saquear tumbas y a vender clandestinamente los cuerpos sustraídos a médicos y frenólogos. En aquella época, los criminales ejecutados por la justicia eran los únicos cadáveres a los que tenían acceso legalmente los galenos para su estudio y disección. Así que un prestigioso anatomista de la capital escocesa, el Dr. Knox, les pagó 7 libras y 12 chelines por el primer "espécimen" entregado. Una cantidad que empujó a Burke y Hare al crimen, espoleados por la avaricia. Entre 1827 y 1828, asesinaron a unas dieciséis personas cuyos despojos fueron a parar al laboratorio privado de Knox, quien ignoraba -supuestamente- el origen de los cadáveres. Finalmente, Burke y Hare fueron detenidos y juzgados, mientras que el Dr. Knox sufrió la condena del colectivo médico y el rechazo de la sociedad burguesa a la que pertenecía. Burke fue ahorcado en 1829 -irónicamente, acabó siendo material de disección-, mientras que Hare fue liberado (¡) gracias a un indulto real, desapareciendo para siempre.

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Basándose en la obra de Stevenson, en las célebres piezas teatrales de James Bridie (1888-1951) o en el guión original escrito por Dylan Thomas (1914-1953) un año antes de su fallecimiento, el cine ha llevado varias veces la historia de Burke y Hare: "The body snatcher" (Robert Wise, 1945), "La carne y el demonio" (John Gilling, 1959), "Burke & Hare" (Vernon Sewell, 1971) y "El doctor y los diablos" (Freddie Francis, 1985). De todas ellas cabría destacar la atmósfera de reconcentrada sordidez que impregna "La carne y el demonio" -sin duda, la mejor versión del tema-, con su patibularia faena humana -extraordinaria la interpretación de Peter Cushing (Dr. Knox), Donald Pleasence (William Hare), George Rose (William Burke) y Billie Whitelaw (la prostituta Mary Patterson)-, a caballo entre el hiperrealismo -todas las secuencias que se desarrollan en los suburbios de Edimburgo, con especial atención a la hogarthianas tabernas y prostíbulos...- y el terror gótico -cf. los saqueos a los cementerios; el asesinato de la vieja asfixiada por Burke, mientras Hare bailotea de forma grotesca tapándose la boca e imitando los torpes forcejeos de la desdichada víctima...-, recreando con pasmosa fidelidad las tristemente célebres andanzas de Burke y Hare.

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Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Doctor Cyclops

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Actor nacido en 1883 y fallecido en 1930, Leonidas Frank Chaney, conocido también como "El hombre de las mil caras", era capaz de los mayores alardes de maquillaje para convertirse en cualquier personaje que le propusieran. Medía 1,73 y era hijo de padres sordomudos. Desarrolló una intensa compasión por los personajes marginados de la sociedad, lo que le convirtió en el mejor intérpretes de monstruos del cine mudo. Desde muy joven aprendió a servirse de los gestos para poder comunicarse con sus padres, lo que le serviría posteriormente para convertirse en una de las estrellas más modestas del cine silente. Fue el actor fetiche del director Tod Browning, y tenía sólo 47 años cuando murió víctima de un cáncer, dejando libre el papel del conde Drácula, en una producción que finalmente acabó lanzando a la fama a Bela Lugosi. Se afirma que algunas de sus interpretaciones, como la del jorobado de Notre Dame, le llevaron a someterse a exhaustivas sesiones de maquillaje e incluso a deformar su cuerpo hasta el límite, sufriendo serias lesiones en sus extremidades. Su dedicación a la creación de seres monstruosos era un homenaje a todos aquellos marginados de la sociedad, y le permitía aportar toques de humanidad a los vehículos del terror en los que intervino. Entre sus películas más destacadas en el género que nos ocupa se cuentan: "El jorobado de Notre Dame", "El trío fantástico", "El fantasma de la ópera", "Garras humanas" y "Los pantanos de Zanzíbar". Un pálido continuador de su carrera, aunque también consiguió convertirse en estrella del cine de terror de la productora Universal, fue su hijo, Lon Chaney Jr. Chaney padre fue un auténtico pionero de distintas técnicas de maquillaje que sentaron las bases para las caracterizaciones cinematográficas.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán


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http://www.youtube.com/watch?v=zhC7fK9ui2g

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Película dirigida en Méjico por Luis Buñuel en el año 1962, con Silvia Pinal, Enrique Rambal, Claudio Brook, José Baviera, Augusto Benedicto, Jacqueline Andere, Antonio Bravo, César del Campo, Rosa Elena Durgel, Ofelia Guilmáin y Nadia Haro Oliva.

Sinopsis: Un grupo de burgueses acuden a cenar a casa de uno de sus miembros más representativos tras asistir a un espectáculo. Mientras los miembros de su servicio, gente humilde, experimentan un intenso malestar que les lleva a abandonar la mansión, quedando un sólo representante de los mismos, el mayordomo, que en realidad piensa como un burgués aunque pertenezca a otra clase social, los señores y sus invitados se dedican a bromear y cenar, pero llegado el momento de marcharse, les resulta imposible abandonar el lugar. Se inicia así un inexplicable periodo de encierro en el que el salón en el que se reunieron para pasar la velada se convierte en una especie de prisión que por algún extraño motivo son incapaces de abandonar durante días. Se han convertido en unos extraños náufragos urbanos rodeados por una ciudad que observa su encierro inexplicable.

Comentarios: Creación genial en la que se acumulan las referencias surrealistas tan esenciales para entender el cine de su director, empieza siendo una comedia repleta de guiños y bromas de Buñuel (la mujer que pone cuernos a su marido con un invitado y cuando el amante le pregunta qué hara si aparece el traicionado en la habitación contesta: "Le diré que quería enseñarte el incunable", la frase del diálogo entre dos personajes: "Este Russell es un excéntrico", replicada por "Bah, debe ser hombre de letras"...), pero avanza hacia una situación ciertamente inquietante e imprevisible con un epílogo claramente terrorífico en una iglesia. Repleta de símbolos (el pollo en el bolso de una de las invitadas, el oso, los corderos), referencias oníricas (el cuarto al que los invitados náufragos acuden a soñar), y repeticiones y rituales (la entrada en la casa que se repite dos veces y fue en algún lugar confundida con un error involuntario, de manera que se eliminó del montaje, los invitados que se saludan una y otra vez trocando amabilidad con hostilidad según les viene en gana...), y sembrada de motivos eróticos y alusiones sexuales, contiene también no pocas referencias religiosas y mitológicas (la encargada de guiar a los protagonistas fuera de su encierro es una mujer que conserva su virginidad y a la que llaman la Valquiria), es un clásico del cine obligado para todo buen aficionado, una de esas películas que consiguen obligar al espectador a pensar e interpretar, casi a explicarse nuevamente el argumento por su cuenta cuando abandona el cine. Eso le habría gustado sin duda a su director.


Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán



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En la losa de una gran tumba localizada en la vieja iglesia de Nieder-Beerbach, en el municipio de Muehtal (Hessen), al sudoeste de Alemania, puede verse la efigie de un caballero medieval, ataviado con coraza y armas, a cuyos pies yace vencida, aniquilada, una bestia de aspecto reptiliano. Su mito, recogido por los hermanos Grimm, Jakob (1785-1863) y Wilhem (1786-1859), y publicado por primera vez en el libro "Deutsche Mythologie" (1823), nos aclara su identidad. Se trata del miembro de la familia Frankenstein más recordado por la cultura popular alemana: Georg von Frankenstein. Conforme a la tradición, en el arroyo de Katzenborn, no muy lejos de Nieder-Beerbach, vivía un monstruoso dragón que aterrorizaba a los moradores del lugar. Unicamente el sacrificio de una doncella, la delicada Anne Marie, llamada "la Rosa del Valle", podía hacer que el monstruo se marchara de allí. Sin embargo, Georg von Frankenstein, de regreso de la guerra, se enfrentó a la bestia para rescatar a la dama, de la que estaba secretamente enamorado. La contienda entre ambos fue atroz, y Georg logró destruir al dragón cortándole la cabeza; pero una de las púas empozoñadas de la cola de la criatura hirió a Frankenstein en la pierna izquierda, en un punto desprotegido por su cota de malla. De regreso al castillo familiar, Georg estuvo agonizando tres días y finalmente falleció. Se dice que Anne Marie murió de pena y que la sangre del dragón ennegreció para siempre las aguas del arroyo de Katzenborn.

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La lucha de Georg von Frankenstein contra el dragón no es más que la versión germánica, a escala local -y, muy significativamente, desprovista de elementos cristianos- de la leyenda de San Jorge, la cual tiene una enorme trascendencia dentro de la cultura fantástica europea, de modo que no es extraño hallar por el Viejo Continente expresiones pictóricas de toa índole inspiradas en la citada leyenda. Personaje venerado desde las Islas Británicas -la bandera de Inglaterra es la cruz de San Jorge (una cruz roja sobre fondo blanco), la cual formaba parte del atavío de los cruzados ingleses en los siglos XI, XII y XIII- hasta Rusia -la imagen del santo aparece en el antiguo escudo imperial ruso y en el escudo nacional moderno y, además, se convirtió en la insignia de los ejércitos zaristas y dio nombre a la primera orden militar del país-, veneración que llega, incluso, a lugares tan apartados de Europa como Etiopía, San Jorge fue, de acuerdo con los historiadores, un mártir cristiano que nació en Capadocia en el siglo II y murió durante la persecución de Diocleciano. Pero su ficticia pelea contra el dragón permanece todavía arraigada con fuerza en la memoria de los pueblos europeos.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Doctor Cyclops

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No se sabe si fueron las meigas [Nota de darkland: meigas significa brujas en gallego] de su Galicia natal o los Hados del destino quienes jugaron en contra de Armando de Ossorio, cineasta sencillo y honesto, carente de cualquier atisbo de arrogancia, plenamente consciente de la real valía de su trabajo cinematográfico. Periodista aficionado a la pintura y a la fotografía, su vocación por rodar películas "políticas" como "Bandera negra" (1956) -alegato contra la pena de muerte que, por acción de la Censura, jamás se ha visto... y de la que se ignora si aún existe una copia- se vio finalmente encauzada hacia ese cine de consumo, hacia ese cine de género tan magro en inventiva como en dinero. "La noche del terror ciego" (1971) es el fruto de semejante circunstancia. Pero, además, es el producto del ansia de Armando de Ossorio -frustrado por culpa de las trabas presupuestarias,, culturales, censoras (5)...- por hacer un film de terror diferente, lejos del previsible exploit sobre vampiros y hombres-lobo. Inspirándose en las leyendas que circulan sobre los Caballeros Templarios y, asimismo, en algunos relatos de Gustavo Alfonso Bécquer -concretamente, "El monte de las ánimas" y "El miserere"-, el cineasta gallego construye una intriga mínima al servicio de los seres de ultratumba que protagonizan la película: los enmohecidos caballeros galopan al ralentí bajo los plomizos acordes pseudogregorianos de Antón García Abril; deambulan con angustiosa parsimonia para que los protagonistas hagan mejor gala de su estupidez; amputan brazos con sus herrumbrosas espadas y succionan la sangre de sus víctimas en manadas, como las hienas, además de consagrarse a la matanza más sanguinaria en las entrañas de un tren de pasajeros... Todo un deleite para los amantes de lo lóbrego y violento. Por desgracia, las caras de momia de los Templarios, con sus túnicas maltratadas por los rigores de la tumba, no bastan para hacer de "La noche del terror ciego" una buena película. La cinta carece de tensión, de fuerza, de ritmo, precisamente porque no hay nada interesante que contar, al margen de ilustrar con más voluntad que acierto las correrías de los living dead. Bordeando a cada plano los abismos del subproducto más abominable, el -incomprensible- éxito comercial del film generó cuatro secuelas, todas ellas exitosas (¡). He aquí lo único verdaderamente perturbador de "La noche del terror ciego".

Fuente: Quatermass 4-5 (Antología del cine fantástico español)
Autor: Antonio José Navarro

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Pidan a cualquier fan del género que se respete que escoja la mejor película de casa encantada de la historia y un dedo apuntará de inmediato a The Haunting, y no se equivocará.

House on Haunted Hill, una producción de 1959 dirigida por William Castle, no está a la altura de esa maravilla ni mucho menos, pero es una película de terror satisfactoria que sigue aguantándose sorprendentemente bien hoy en día. Vincent Price es Frederick Loren, un millonario excéntrico al que su esposa hace llevar cuernos que alquila una mansión con aspecto de fortaleza en la que siete personas han sido asesinadas a lo largo de los años. Loren ha invitado a cinco desconocidos -entre los que están Richard Long y Elisha Cook, uno de los mejores secundarios de todos los tiempos-, a una «fiesta» en la casa, y si consiguen sobrevivir una noche entregará diez mil dólares a cada superviviente. Cuando llegan los invitados (¡y llegan nada menos que en coches fúnebres!) las criaturas de la noche empiezan a moverse en la ídem. Manos cercenadas aparecen dentro de las maletas y en el interior de los armarios. Castle sabía sacar el máximo provecho posible a los trucos básicos del género: las pistas falsas abundan y las escenas son reforzadas con rayos, truenos aterradores y música ominosa; apañe de lo cual también consigue que Carol Ohmart y Carolyn Craig (la esposa de Loren y una invitada a la fiesta respectivamente) aporten algunos de los gritos más ensordecedores inmortalizados por el celuloide.

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Es una pena que la técnica Emergo de Castle, el rey de los truquitos (cuando la película se exhibió en los cines de los Estados Unidos las salas donde se proyectaba fueron equipadas con un sistema de cables que permitía hacer volar esqueletos sobre las butacas) sea cosa del pasado, pero en realidad la película no necesita ese adorno. Es una sólida historia de fantasmas y terrores al viejo estilo que sigue siendo capaz de asustar al espectador más de treinta años después de haber sido rodada.

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Fuente: Fangoria - La guía del cine de terror

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En el curioso "revival" que el mito del hombre lobo vivióa inicios de los años ochenta -"¡Aullidos!" (Joe Dante, 1981), "Full moon high" (Larry Cohen, 1981), "Lobos humanos" (Michael Wadleigh, 1981)-, "Un hombre lobo americano en Londres", quizá por su personal mezcla de comedia (negra) y terror, se convirtió en uno de los títulos más emblemáticos. Su director y guionista, John Landis, asegura que tuvo la idea para el film mientras trabajaba en Yugoslavia como asistente de producción para la película bélica "Los héroes de Kelly" (Brian G. Hutton, 1970). Un miembro yugoslavo de la producción y él se encontraban viajando cuando se cruzaron con un grupo de gitanos. Estos parecían estar realizando un ritual durante el entierro de una persona para evitar que ésta "se levantara de su tumba". Esto hizo que Landis, según su testimonio, se diera cuenta de que nunca sería capaz de "ver" un zombi y le dio la idea para una película en la que un hombre de su misma edad pasa por una situación similar.

Landis escribió un primer borrador de "Un hombre lobo americano en Londres" ese mismo año. Dos años más tarde escribió, dirigió y protagonizó su primera película, "El monstruo de las bananas" (1973), a las que siguieron las muy populares "Made in USA" (1977), "Desmadre a la americana" (1978) y "Granujas a todo ritmo" (1980), lo que le permitió conseguir una inversión de 10 millones de dólares para su film sobre licántropos. Recaudó solo en EEUU más de treinta millones.

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La historia de "Un hombre lobo americano en Londres" se centraba en dos estudiantes universitarios de Nueva York, David y Jack (David Naughton y Griffin Dunne), que deciden hacer un recorrido por las ciudades más importantes de Europa. Mientras se dirigen a Londres por los páramos del norte de Inglaterra, son atacados por una gran sombra con forma animal; Jack muere durante el ataque pero David logra ser rescatado a tiempo con algunas heridas. Cuando los lugareños matan a la bestia, ésta se transforma en un hombre. David despierta en un hospital en Londres, donde le informan sobre la muerte de su amigo. Jack se aparece ante David como un fantasma con el aspecto de cadáver, para explicarle que fueron atacados por un hombre lobo, y que por haber sobrevivido, David lo es también ahora. Jack le pide a David que se suicide para acabar con la maldición del hombre lobo y evitar así que más inocentes se conviertan en eventuales víctimas... Y la luna llena se acerca.

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Además de la hábil dirección de John Landis, "Un hombre lobo americano en Londres" impactó en la audiencia por sus espectaculares efectos de maquillaje en las transformaciones. Las diferentes prótesis y partes robóticas usadas durante las escenas en que David Naughton, frente a la cámara, se convierte en licántropo, y las apariciones del personaje de Jack como espectro impresionaron tanto a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood que decidió crear el premio Oscar al Mejor Maquillaje específicamente para la película. Desde la entrega de premios de 1982 ésta se convirtió en una categoría presente todos los años.

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad
Autor: Doctor Cyclops


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Video de la transformación. La música es del grupo español La Unión. En su época fue un gran éxito.

http://www.youtube.com/watch?v=5GCak3D9CzE

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El tema de los trasplantes anatómicos con fatídicas consecuencias tiene una de sus más conocidas manifestaciones en la novela de Maurice Renard "Les mains d'Orlac", llevada al cine en tres ocasiones por Robert Wiene (Orlacs hände, 1925), Karl Freund (Mad love, 1935) -la cual merece una entrada aparte en nuestro diccionario a causa de su excepcional calidad- y Edmond T. Grenville ("Les mains d'Orlac"/"The hands of Orlac", 1960), todas ellas estrenadas en España como "Las manos de Orlac". La versión del alemán Robert Wiene, un cineasta bien conocido entre los aficionados al fantastique por su famoso film expresionista "El gabinete del doctor Caligari" (1919), es una interesante, a ratos excelente película, cuyos méritos quedan un tanto empañados por la inclusión de un happy end bastante forzado. Buena parte de su interés reside en la atormentada interpretación de Conrad Veidt, espléndido y olvidado actor quien dota a su personaje de Paul Orlac de una angustiosa fisicidad realmente notable, a tono con la compleja situación que vive el protagonista: un pianista a quien se le trasplantan las manos de un asesino llamado Vasseur para reemplazar las suyas, gravemente heridas en un accidente. Su expresión corporal, con esa manera de andar y moverse colocando las manos como si, efectivamente, no formasen parte de su cuerpo y se negase a aceptarlas como propias, es memorable. Pero, además de Veidt, la película atesora grandes momentos de puesta en escena: la extraordinaria secuencia nocturna, iluminada con bengalas, del rescate del cuerpo de Orlac del interior de un tren descarrilado; el siniestro rostro que asoma por la puerta de la habitación del hospital donde convalece Orlac; el anillo de matrimonio que, lógicamente ya no encaja en su nuevo dedo; sus esfuerzos para tocar el piano y su repulsión ante la idea de acariciar a su esposa con sus nuevas extremidades...

Por desgracia, no pueden decirse tantas cosas buenas de la versión de Edmond T. Greville; antes al contrario, ya que se trata de la peor de todas. Aquí, modernidad obliga, el Stephen Orlac encarnado por un inadecuado Mel Ferrer sufre la pérdida de sus extremidades estrellándose con su avioneta particular (el piloto, por cierto, es David Peel, memorable barón Meinster de "Las novias de Drácula"), y no está casado, sino que tiene lo que entonces se llamaba "novia" (Louise, la insípida Lucille Saint-Simon). Además de dilapidar un excelente reparto (Felix Aylmer, Basil Sidney, Donald Wolfit, Donald Pleasence), el relato carece de atmósfera o tensión y resulta extremadamente aburrido. Lo único digno de mención es el personaje del chantajista, a cargo de un divertido Christopher Lee, y su turgente ayudante, interpretado por Danny Carel, por más que protagonicen unos shows de magia tremendamente ridículos.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

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En su pura rareza enigmática, "Suspiria", de Dario Argento, sirve para recordarnos que ninguna película es jamás realmente un texto, sino siempre una experiencia. De sabor claramente europeo, "Suspiria" empieza como si fuese un giallo (thriller barato) italiano, con una serie de asesinatos espectaculares que se presentan con el barroquismo de un musical. Pero Argento pronto cambia de registro y revela un mundo que no es el de asesinos humanos enmascardados o enguantados, sino de fuerzas sobrenaturales, magia negra y brujas malignas.

Sin embargo, "Suspiria" no es solo un ejemplo tardío de un subgénero de horror europeo, sino también fruto de determinada influencia estilística, a saber: la del mentor de Argento, Mario Bava, pionero de múltiples géneros italianos que creaba sus efectos sumamente visuales con inteligencia y economía asombrosas. Tal vez la aportación más duradera del estilo de Bava fue el tipo de inexorable travelín que Argento hace escandalosamente suyo y que ahora, gracias a directores que van de Martin Scorsese a Sam Raimi, se ha convertido en parte fundamental del lenguaje cinematográfico contemporáneo.

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La acción de "Suspiria" transcurre en un marco clásicamente gótico: una antigua academia de danza. La verdadera naturaleza de la instrucción que allí se imparte se demuestra por medio de una lluvia de cresas que cae sobre las chicas de noche. En esta pura asquerosidad reside una especie de clave, y las propias grandes escenas espectaculares pasan a ser pruebas de la capacidad de aguante. Mientras los espectadores y la estudiante protagonista, Susy Banyon (Jessica Harper), se ven arrastrados por vestigios de revelaciones misteriosas y esotéricas, la intensa serie de choques y efectos audiovisuales de "Suspiria" llega al borde de lo insoportable. Esta es la textura de toda la cinta, no solo en sus espectaculares muertes surreales, sino incluso en los gestos más insignificantes, como, por ejemplo, cuando una malévola instructora de danza vierte agua directamente en la boca de Susy y el pesado jarro de cristal roza los dientes de la muchacha.

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La película de Argento sobresale incluso entre lo mejor de su género por la pura intensidad de la experiencia de contemplarla... y oírla, estos último debido a una partitura casi apabullante escrita por el director y el grupo de rock Goblin, frecuente colaborador suyo. Desde el principio hasta el fin, es un cuento de hadas con visos de pesadilla que culmina en un enfrentamiento grotesco con la horrible bruja superiora de un aquelarre. Finalmente, "Suspiria" revela que la película de horro es una especie de ritual de iniciación tanto para el protagonista como para el espectador, y el género de horror mismo, una especie de religión misteriosa secular.


Fuente: 1001 películas que hay que ver antes de morir (Edición 2009)
Autor:Adam Simon


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[joseinferno]

Muchas Gracias por toda esa reocpilacion de Informacion, por ahi debe andar tambien " La Carreta Fantasma " no ? , tambien se de un cortometraje de terror y otro fantastico hecho por Abel Gance....

Un saludo ...

[darkland]

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Un celebrado éxito mundial en su estreno, "La carreta fantasma" no solo cimentó la fama del director, guionista y actor Victor Sjöström y el cine mudo sueco, sino que también tuvo una influencia artística bien documentada en muchos grandes directores y productores. El elemento mejor conocido de la película es sin duda la representación del mundo espiritual como un limbo atormentado entre el cielo y la tierra. La escena en que el protagonista -el odioso y autodestructivo alcohólico David Holm (Sjöström)- despierta al oír las campanas de la Nochevieja y contempla su propio cadáver, sabiendo que está condenado al infierno, es una de las más citadas de la historia del cine.

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Realizada en una serie de dobles exposiciones sencillas y meticulosamente organizadas, que exigieron mucho tiempo, el director, su fotógrafo y un experto en técnicas de laboratorio crearon la ilusión tridimensional de un mundo fantasmal que jamás se había visto en el cine. Tal vez más importante fue la complicada aunque asequible narración vista a través de una serie de flashbacks (incluso flashbacks dentro de otros), que elevaron este duro relato de pobreza y degradación a la excelencia poética.

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Si retrocedemos en la carrera de Sjöström, "La carreta fantasma" es una extensión teológica y filosófica de los temas sociales introducidos en su controvertida "Ingeborg Holm" (1913). Ambas películas describen la progresiva destrucción de la dignidad humana en una sociedad fría e implacable, que empuja a sus víctimas hacia la brutalidad y la locura. La relación entre las dos se ve reforzada por la presencia de Hilda Borgström, inolvidable como Ingeborg Holm y ahora en el papel de una esposa torturada, otra señora Holm desesperada. Interpreta de nuevo a una madre compasiva pero pobre, condenada al suicidio o a la vida en un manicomio.

La ingenuidad religiosa que subyace en el seno de la novela de Selma Lagerlöf, adaptada con fidelidad, podría provocar carcajadas ocasionales en un público seglar ochenta años después, pero la interpretación "realista" y el oscuro destino de los personajes principales, que casi llega a su conclusión lógica si no fuese por un final melodramático, nunca deja de impresionar.

Fuente: 1001 películas que hay que ver antes de morir (Edición 2009)
Autor: Michael Tapper


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[darkland]

http://img10.imageshack.us/img10/6804/gilling2.jpg http://img52.imageshack.us/img52/7910/gilling3.jpg

Después de haber trabajado en su juventud para una compañía petrolífera, Brinton John Gilling (1912-1985) se trasladó en 1933 a Hollywood, donde inició su carrera en el cine como especialista -doblando asiduamente a Errol Flynn- y script boy. Finalizada la Segunda Guerra Mundial, y tras licenciarse de la Royal Navy en 1946, empezó a trabajar como guionista y ayudante de dirección, debutando como realizador en 1948 con "Escape from Bradmoore". Realizador de cuarenta y una películas, en su trayectoria destaca la estrecha colaboración que mantuvo con Tempean Films -la compañía propiedad de los productores Monty Berman & Robert S. Baker-, donde dirigió y escribió los siguientes thrillers: "No trace (1950), "The quiet woman" (1950), "The voice of Merrill" (1952), "The frightened man" (1952), "The recoil" (1953), "Escape by night" (1953), "Double exposure" (1954) y "Enigma de un diario" (1955), además de "La carne y el demonio" (1959), excepcional recreación de las actividades criminales de Burke & Hare, los "resurreccionistas de Edimburgo", dos emigrantes irlandeses, ladrones y pendencieros, que a fin de ganarse unas pocas libras para costear sus borracheras empezaron a saquear tumbas y a cometer asesinatos para vender cadáveres a médicos y frenólogos".

Paralelamente, en 1949 empieza a colaborar con Anthony Hinds y Hammer Films -escribiendo el guión de "The man in black", de Francis Searle-, etapa que concluye en 1967 -después del rodaje de "The mummy's shround-, periodo en que redacta el libreto de "La Gorgona" (1964), de Terence Fisher, y firma dos de las películas Hammer más populares entre los aficionados, "The plague of the zombies" (1966) y "The reptile" (1966), además de la excelente, mítica y casi invisible "The shadow of the cat" (1961), calificada por algunos como su obra maestra. En 1970 se retiró a España, donde rodó "La cruz del diablo" (1975), film de sketch sobre relatos de Gustavo Adolfo Becquer, protagonizado, entre otros por Emma Cohen, Eduardo Fajardo, Tony Isbert, Adolfo Marsillach, Ramiro Oliveros, Mónica Randall, Fernando Sancho y Carmen Sevilla. Concluida su obra cinematográfica, Gilling se afincó en Madrid para dedicarse plenamente a su hobby: la pintura.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

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Producida en 1960 por Milton Subotsky, "City of the dead" -más conocida por su título estadounidense, "Horror hotel"- es una de las mejores películas de terror inglesas de los años sesenta, más allá de Hammer Films. Bordeando el esteticismo más contingente, la puesta en escena de "City of the dead" inventa un universo imaginario donde nada sucede o se presenta como en el mundo real, tal y como exigía esta turbia historia de brujería, venganzas de ultratumba y aberrantes sacrificios humanos.

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"City of the dead" demuestra que lo fantástico no radica tanto en la descripción del mal, de lo perverso, como en la complacencia que se encuentra en ello. Así pues, el director de la cinta, John Moxley, no desdeña los procedimientos góticos habituales como, por ejemplo, la constante alusión al peligro que corren los héroes a través del decorado: el villorrio de Whitewood, apenas un puñado de deterioradas casas de madera, parece flotar en medio de un brumoso espacio carente de tridimensionalidad, inmerso en una abisal -y peremne- nocturnidad; un espacio tan fúnebre como el cementerio de cruces y lápidas escoradas, corrompidas, situado en el centro del pueblo... Al igual que la nauseabunda descripción física de los seres que habitan el lugar: los rasgos córvidos del rostro de la bruja Selwyn (Patricia Jessel), la gélida pose de su secuaz, el fantasmal Jethro Keane (Valentine Dyall), o la mirada inquietante del Prof. Driscoll (Christopher Lee). Y completando el conjunto, una notable gama de húmedos pasadizos subterráneos, moho y telarañas.

Las imágenes de "City of dead" evocan, sin grandes subrayados, nuestro atávico pavor a la muerte, a la mutilación, a lo sobrenatural o a lo monstruoso. En cualquier caso, todo viene dado por el espectral tratamiento de la luz -resultan excelentes los planos desde el interior de los vehículos que se dirigen a Whitewood, sumergiéndose en una angustiosa noche negra, negrísima, mientras níveos jirones de espectral niebla parecen enredarse a su alrededor como la tela de una araña-, por el choque entre civilización y primitivismo que plantean el vestuario o los objetos -la indumentaria sixties de la protagonista, Nan (Venetia Stevenson), ofrece una notable sensación de indefensión en medio de viejos candelabros y sillones, de vetustas camas con dosel o chirriantes portones-, capaces de convertir el relato en pura experiencia sensitiva. "City of dead" es un clásico del cine de terror británico que se asemeja, y mucho, al de Mario Bava o Riccardo Freda.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[joseinferno]

Podrias poner enlaces alternativos ( de otras web si no hay por aqui ) de las peliculas que pones, me gusta leer este post, pero seria genial poder mirarlas, hay unas que se notan son rejoyas mundiales. sobre todo de "Ingeborg Holm" (1913).

una consulta, el cortometraje de Gance, Socorro yo la baje sin audio, tu la tienes con audio ? un saludo y gracias por tan buena info.

[darkland]

¡Hola joseinferno!

No creo que se puedan dar enlaces de páginas externas al Patio ya que si fuera así todos nos limitaríamos a copiar los enlaces de otras páginas en vez de subir el material por nuestra cuenta. Yo, por ejemplo, he conseguido todos los libros/revistas/cómics de Internet, no he escaneado nada, pero los enlaces no los he copiado de otras páginas, lo que he hecho es subir yo mismo el material a Megaupload. De esta forma habrá cada vez más opciones para descargar los mismos archivos (rapidshare, megaupload...) y será más difícil que desaparezcan totalmente de la red al ir siendo borrados de los distintos servidores de descarga.

En cuanto a los textos de "El rinconcito del cine fantástico" los obtengo de los distintos libros que tengo en mi biblioteca. La mayoría de las películas comentadas ya las he visto. Otras, como por ejemplo, "Ingeborg Holm" o el cortometraje de Gance que mencionas, todavía no los tengo pero los sigo buscando.

De todas formas, puedes buscar las películas a través de Google. Algunas las conseguirás sin problema. Otras sin embargo, no aparecerán por ningún lado pero eso no quiere decir que no las localices más adelante. Hay que tener muuuucha paciencia. No te puedes imaginar lo que me cuesta encontrar algunos libros...

Saludos

[darkland]

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Según la mitología asirio-babilónica (sumeria y acadios), Pazuzu es el rey de los demonios del viento y, sobre todo, representaba el viento del suroeste, portador de la peste, de las tormentas, de las plagas, del delirio y de la fiebre. Se representaba en amuletos y estatuas a fin de proteger a los hombres de sus horrores, con cuerpo humano, cabeza de león o de perro, garras de ave en vez de pies, dos pares de alas de águila, cola de escorpión y pene con forma de serpiente. También se suele mostrar con la palma de la mano derecha hacia arriba, y la izquierda hacia abajo. Esta posición de las manos simboliza la vida y la muerte, o la creación y la destrucción.

Pazuzu es, además, el demonio protagonista de "El exorcista" (1973). Aparece al inicio de la cinta durante las excavaciones del padre Merrin (Max von Sydow) en Irak y durante uno de los momentos álgidos del exorcismo -cuando sale del organismo de su víctima y se materializa en la estatua que vio Merrin en las excavaciones-, pues él es la entidad maligna que posee y martiriza a la pequeña Regan McNeill (Linda Blair). También aparece su efigie en "Exorcista II: el hereje" (1977) y en "El exorcista: el comienzo" (2004).

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

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Nacida en 1560 en el seno de una acaudalada familia húngara perteneciente a la más rancia aristocracia -su tío era rey de Polonia-, Erzsébet Báthory ha pasado a la historia con el sobrenombre de "La Condesa Sangrienta", "La Alimaña de Csejthe", Erzsébet Báthory mezclaba sus pasiones lesbianas, con la excitación de la sangre y las orgías sádicas. Interesada vivamente por el esoterismo, su meta era conseguir la sangre necesaria para perpetuar su belleza y lozanía. Retirada en el imponente castillo de Csejthe -el cual todavía hoy se alza, siniestro y orgulloso, en lo alto de una colina de los Cárpatos-, la condesa reclutaba a sus víctimas entre las muchachas del condado bajo falsas promesas de trabajo. En el castillo, las jóvenes terminaban en los lúgubres sótanos, donde eran azotadas y desangradas. Tras bañarse en su sangre, Báthory ordenaba a sus sirvientas que le lamiesen la piel. Si las chicas no hacían ascos, las recompensaba, pero si mostraban cualquier mueca de repugnancia, las torturaba hasta matarlas.

Pronto los vecinos de la región comenzaron a decir que el castillo estaba maldito y que en él habitaban vampiros. Llegaron con sus sospechas hasta el mismo rey de Hungría, Mathias II, quien en 1610 envió un destacamento de soldados bajo las órdenes del primo de Erzsébet, Gyorgy Thruso. Los soldados encontraron muchas víctimas aún con vida, terriblemente torturadas por la condesa Báthory. También descubrieron un sistema de canalización para que la sangre de las víctimas viajara por los conductos hasta llenar su bañera. Con ayuda de sus secuaces, Erzsébet Báthory llegó a asesinar a unas 650 muchachas. Fue juzgada y condenada por un tribunal de la Inquisición a ser emparedada viva en sus habitaciones de Csejthe, dejándole una ranura por donde le pasaban las sobras de la comida y algo de agua. Cuatro años más tarde falleció, sin haber pronunciado una sola palabra durante ese tiempo de prisión. Un día decidió no comer más, y a los 54 años murió de inanición en 1614.

A pesar de tan atractivo material dramático, los crímenes de Erzsébet Báthory han atraído poco el interés del cine. Hammer Films, el realizador Peter Sasdy y el productor Alexander Paul -ambos de orígen húngaro- llevaron por primera vez a la gran pantalla, bajo las convenciones del cine fantástico más tradicional, la leyenda de Erzsébet Báthory. "Countess Dracula" (1970) tergiversa profundamente la historia con una interpretación "mágica" de la misma -una decrépita dama convertida, gracias a sus sangrientas matanzas, en una joven frívola de senos turgentes, gentileza de Ingrid Pitt...-, sin ofrecer a cambio más que unos pocos y mal filmados asesinatos, así como la imagen, inolvidable, de la condesa cubierta de sangre, desnuda, en su señorial bañera de mármol. Mucho más interesante fue la revisión del mito ofrecida por Jordi Grau en "Ceremonia sangrienta" (1972), retrato fiel del ambiente oscurantista que dominaba la vida de los moradores del castillo y el desarrollo de sus actividades criminales. Además, la condesa aparece en otras "terroríficas" cintas españolas, como "La noche de Walpurgis" (1970) y "La orgía nocturna de los vampiros" (1972), ambas dirigidas por León Klimovsky, y en "El retorno de Walpulgis" (1972), de Carlos Aured.

Recientemente, el cine ha vuelto a interesarse por la macabra figura de Erzsébet Báthory con dos películas de similares intenciones -abordar sus crímenes con rigor histórico- y desiguales resultados. La primera, una gran superproducción húngara titulada "Bathory" (2008), de Juraj Jakubisko, intenta justificar hasta cierto punto la conducta patológica de la condesa, señalando como culpables de su demencia a sus cortesanos, a su esposo (tiránico y adúltero), y al aislamiento físico y emocional que tiran por la borda las posibilidades del tema. Por el contrario, la actriz (protagonista), guionista y realizadora Julie Delpy en "The countess" (2009) presenta las obsesiones vampíricas de la Báthory de forma tan compasiva que no permite la investigación sobre el alma más oscura de la protagonista. Todo se atribuye a una historia de amor frustrado y a las morbosas fantasías de sus acusadores (todos hombres), que no soportaban su altivez e independencia.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

http://img35.imageshack.us/img35/7904/fritzhaarmann.jpg

El 17 de mayo de 1924, en Hannover (Alemania), a orillas del río Leine, unos niños encontraron de manera fortuita un cráneo humano. Fue el primero de una serie de restos humanos -especialmente de jóvenes varones- que facilitaron a la policía las pistas necesarias para detener a uno de los asesinos en serie más tristemente célebres de todos los tiempos: Fritz Haarmann (n. 1879), conocido también como "El carnicero" o "El vampiro de Hannover". Según pudieron averiguar y probar las autoridades judiciales, Haarmann asesinó entre 1918 y junio de 1924 -fecha de su detención- a veintisiete adolescentes alemanes, si bien se cree que mató a un centenar de niños y muchachos. Solía "escoger" a sus presas en los ambientes más degradados próximos a la estación ferroviaria de la ciudad, frecuentados por huérfanos desesperados y hambrientos que no dudaban en prostituirse a cambio de comida. Tras ofrecerles toda clase de cuidados, Haarmann, según su propia confesión, los violaba y, de un mordisco, les seccionaba la yugular y la tráquea, devorándolos parcialmente o chupando su sangre. Macabro ritual que llevaba a cabo junto a su amante, Hans Grans. Más tarde, los cuerpos de sus víctimas eran troceados y convertidos en filetes que el psicópata, en aquella época de terrible carestía, regalaba desprendidamente entre sus amistades. Los despojos de aquellos desdichados eran, finalmente, arrojados al río...

La impunidad con que actuó Fritz Haarmann se debe a que, durante esos años, colaboró con la policía local, en calidad de confidente, lo cual le granjeó el respeto y el temor de sus vecinos. Su caso, no obstante, sirvió para sacar a la luz temas tan sucios como la actividad de chaperos y traficantes de menores, las actividades del mercado negro y la corrupción de la policía -los mismos agentes que antaño se ufanaban de ser amigos de "El carnicero de Hanover" fueron quienes le torturaron para obtener su confesión...-. El 15 de abril de 1925 fue decapitado por orden del juez. Fritz Haarmann no pidió clemencia aunque insistió en que un ser desconocido tomaba posesión de su cuerpo y le incitaba a matar. Su camarada de brutalidades, Hans Grans, fue condenado a cadena perpetua, pero se le conmutó la pena por 12 años de cárcel.

Sería en 1973 cuando el propio cine alemán llevó a cabo la siniestra recreación fílmica del "caso Haarmann" con "La ternura de los lobos", película producida por el prestigioso realizador germano R. W. Fassbinder en 1973. Kurt Raab, protagonista y guionista de la misma -y según las malas lenguas, amante de Fassbinder en aquella época-, se centró en la última etapa de la vida de Haarmann pero cambiando el periodo histórico en el que transcurrieron los sucesos; es decir, la República de Weimar por la Alemania tras la caída del nazismo. El realizador del film, Uli Lommel -polifacético personaje que ha trabajado durante cuatro décadas en el cine de su país como actor, productor, guionista, realizador, diseñador de producción, músico...-, fundamentó las razones de ese cambio en el hecho de que las localizaciones previstas eran más propias de los años cuarenta que de los años veinte. No obstante, hay una clara y muy inteligente intencionalidad por parte de los autores de utilizar esa época como telón de fondo para ofrecer el retrato de una Alemania sombría, desconfiada, confundida, perturbada, corrupta y temerosa tras la caída de Hitler -"Son malos tiempos incluso para la policía", comenta un comisario al mismísimo Haarmann-. Inquietante, magistral, "La ternura de los lobos" permanece como una de las más atinadas aproximaciones al espeluznante asunto de los psycho killers.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

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Nacido en Alemania en 1888, y fallecido en California en 1931, en un accidente de tráfico, estudió Filología, Historia y Literatura antes de pasar a ser uno de los pupilos de Max Reindhardt, ejerciendo principalmente como ayudante de dirección. Durante la primera guerra mundial estuvo alistado en la fuerza aérea, y al regresar a Alemania debutó en la dirección en 1919, y pronto mostró la influencia que ejercían sobre su cine las producciones danesas. Así en 1920 realizó "Satanás", y ese mismo año puso en pantalla su particular versión de "El doctor Jekyll y Mr. Hyde", titulada "La cabeza de Jano". Su asociación con el escritor Karl Mayer, que ejerció con él como guionista, produjo cinco películas, pero fue su unión con Henrik Galeen la que produjo una pieza fundamental para las raíces del cine de terror, "Nosferatu", en el año 1922. También trabajó con la guionista Thea Von Harbou, esposa de Fritz Lang y posteriormente figura del cine nazi. Junto con su clásica versión de la novela "Drácula" de Bram Stoker, su trabajo le llevó a ser reconocido internacionalmente a través de "El último" y "Amanecer", rodada en Estados Unidos e inflluencia esencial en el cine de John Ford. Fue la primera de estas dos películas la que le facilitó un contrato de cuatro años en Hollywood con William Fox, fruto del cual surgiría la segunda, que destaca especialmente por el tratamiento de los espacios fuera de cuadro, incorporados a través del encuadre en el relato. Su otra contribución destacada al cine fantástico y de terror es "Fausto", dirigida en 1926, con la que no consiguió el éxito esperado, pero que con el tiempo llegó a convertirse en otra apreciada obra de su filmografía.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán

[darkland]

http://img13.imageshack.us/img13/8953/williamcastle.jpg

Nacido en Nueva York en 1914, y fallecido en 1977, es una de las figuras más pintorescas del paisaje del cine de terror de los años cincuenta. Afirmaba de sí mismo que era el P.T. Barnum del cine, y no es extraño, ya que si Barnum era un célebre empresario circense norteamericano, Castle es uno de los cineastas más circenses de la historia del cine. Tras pasar varios años trabajando para el circuito de representaciones teatrales paralelas a las de los grandes escenarios de Broadway, Castle se incorporó al mundo del cine como entrenador para diálogos, lo que le llevaría a dirigir sus primeras películas en 1943, especializándose en películas de cine negro al año siguiente y transitando por otros géneros como el western, las aventuras y las peripecias bíblicas e históricas. De haber seguido por ese camino quizá no habría ocupado un puesto destacado en la historia del cine considerado como negocio y películas de explotación, pero en el año 1958 llegó a la conclusión de que podía conseguir el éxito en el cine de terror a pesar de que no contaba ni con presupuesto ni con estrellas para adornar sus filmes. El truco era trabajar sobre el marketing de las películas, inventando un truco distinto para promocionar sus producciones entre el público juvenil. Así por ejemplo "Macabre", dirigida por él mismo en 1958, fue anunciada con la siguiente frase: "Aseguramos a cada espectador contra el miedo por mil dólares". "House on Haunted Hill", de 1959, sí contaba con una estrella, Vincent Price, pero también contaba con un truco "made in Castle": Emergo, un esqueleto fluorescente que se paseaba sobre las cabezas de los espectadores, siempre que el director y productor consiguiera convencer al dueño del cine para que aceptara el juego, cosa que ocurría raramente. Pero cuando ocurría, el boca a boca entre los chavales del público, aterrorizados primero y divertidos luego por la ocurrencia, era la mejor promoción para la película, que por otra parte se cuenta entre las mejores de este director. "The tingler", filmada en 1959, contaba con el efecto denominado Percepto, que instalaba cables para dar descargas eléctricas a algunas butacas, mientras Vincent Price se dedicaba a instruir al público desde la pantalla sobre el mejor modo de eliminar al monstruo de turno: gritar como locos cada vez que aparecía. Perdida totalmente la poca vergüenza que le quedaba, Catle ofreció un nuevo truco promocional para "13 fantasmas", de 1960: Illusion-o, unas gafas con cristales tintados que permitían ver fantasmas en la pantalla. En el año 1961 rodó "Homicidio", con la que aspiraba a sacar partido del éxito de "Psicosis" de Hitchcock, y en la que Castle se comprometía a devolver el dinero de la entrada al espectador que fuera capaz de abandonar la sala durante los cinco últimos minutos. Ese mismo año estrenó "Mr. Sardonicus", historia de un hombre deforme cuyo destino en la pantalla era decidido por el propio público según una votación emitida por los espectadores durante la proyección. Su filmografía terrorífica se completa con "The Old Dark House", filmada en 1963, "El caso de Lucy Harbin", en 1964, y Jugando con la muerte", del año siguiente, ambas protagonizadas por una Joan Crawford pasada de vueltas que tiene alguna que otra foto impagablee como asesina psicópata armada con un hacha en la primera. Castle además compró los derechos de la novela de Ira Levin "Rosemary's Baby", y se enfrentó con el productor Robert Evans para dirigir la versión cinematográfica, pero no consiguió convencerle y finalmente la película fue dirigida en 1968 por Roman Polanski y estrenada en España con el título de "La semilla del diablo". Al final de su carrera Castle fue también productor de la serie de televisión "Ghost Story". Las tácticas de Castle para promocionar sus filmes fueron recordadas posteriormente en la película de Joe Dante "Matinee", filmada en el año 1993, y protagonizada por John Goodman encarnando a un personaje construido a imagen y semejanza del avispado director y promotor. De hecho, el director interpretado por Goodman emplea la que fuera firma artística de Castle: su silueta de perfil, sentado en una silla de director y fumando un puro.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán

[darkland]

http://img692.imageshack.us/img692/2024/lanoche.jpg

Escenario natural de una gran parte del cine fantástico de todos los tiempos, la Noche era para los griegos hija del Caos y madre del Cielo y de la Tierra. Engendra igualmente el sueño y la muerte, las ensoñaciones y las angustias, la ternura y el engaño. Es el ámbito natural donde el inconsciente se materializa. Curiosamente, dos grandes creadores de lo fantástico y lo terrorífico, por muy distintas razones, han trabajado en sus obras principalmente de noche: el escritor Joseph Sheridan Le Fanu y el cineasta John Carpenter. La Fanu creía firmemente que, si dormía por la noche, los espíritus malignos acechantes en la oscuridad podían tomar su cuerpo, y escribir era una manera inmejorable de inspirarse y mantenerse vigilante. Por su parte, Carpenter se define como animal nocturno por naturaleza, y afirma que lo que odia realmente es madrugar (¡).

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

Angel Sala, escritor, guionista, crítico cinematográfico y director del Festival de Cine Fantástico de Sitges nos ofrece en el número de febrero de la revista Imágenes de Actualidad una lista de las que él considera las treinta mejores películas del cine fantástico de la pasada década. Es la siguiente:

30. La moustache (Emmanuel Carrère, 2004)
29. [REC] (Jaume Balagueró/Paco Plaza, 2007)
28. Solaris (Steven Soderbergh, 2002)
27. King Kong (Peter Jackson, 2006)
26. Old Boy (Park Chan-wook, 2004)
25. El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, Hayao Miyazaki, 2001)
24. A l'intereur (Alexandre Bustillo/Julien Maury, 2007)
23. Dai-Nihonjin (Hitoshi Matsumoto, 2007)
22. The Fall (El sueño de Alejandría) (Tarsem Sighn, 2007)
21. Los abandonados (Nacho Cerdá, 2006)
20. Pulse (Kairo, Kiyoshi Kurosawa, 2001)
19. Jeepers Creepers (Victor Salva, 2001)
18. Zombies Party (Shaun of the Dead, Edgar Wright, 2004)
17. Ghost in the Shell 2: Innocence (Mamoru Oshii, 2004)
16. Amanecer de los muertos (Dawn of the dead, Zack Snyder, 2004)
15. El caballero oscuro (The Dark Knight, Christopher Nolan, 2008)
14. Star Trek (J.J. Abrahams, 2009)
13. Allegro (Christoffer Boe, 2005)
12. Dracula: Pages from A Virgin's Diary (Guy Maddin, 2002)
11. Monstruoso (Cloverfield, Matt Reeves, 2008)
10. Hijos de los hombres (Children of Men, Alfonso Cuarón, 2006)
09. El protegido (Unbreakable, M. Night Shyamalan, 2001)
08. 28 días después (28 Days After, Danny Boyle, 2001)
07. Wall-E (Andrew Stanton, 2008)
06. Déjame entrar (Let the Right One In, Thomas Alfredson, 2008)
05. Reencarnation (Birth, Jonathan Glazer, 2004)
04. ¡Olvídate de mí! (The Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Michael Gondry, 2004)
03. Donnie Darko (Richard Kelly, 2001)
02. A.I. Inteligencia Artificial (A.I. Artificial Inteligence, Steven Spielberg, 2001)
01. Mullholland Drive (David Lynch, 2001)

[joseinferno]

Muchas Gracias por lista de 30 pelicula,esta Dentro de Mi , la francesa, pero les falto Martyrs creo. Excelente informacion ......

[darkland]

Yo he visto las dos y, francamente, me han parecido muy fuertes. Yo veo todo tipo de cine y no me definiría precisamente de gustos conservadores pero considero esta nueva ola de cine de terror francés como excesivamente violenta. Yo, desde luego, no incluiría a ninguna de las dos dentro de mi lista, pero cada uno tiene sus propios gustos, tan respetables como los de cualquier otra persona. En mi caso tampoco incluiría la película de David Lynch (¡sobre todo en el puesto número uno!) ya que de toda su filmografía sólo me gustó "El hombre elefante".

He visto todas las películas de la lista menos "La moustache", "Dai-Nihonjin", "Allegro" y "Dracula: Pages from A Virgin's Diary". De la última conocía su existencia pero del resto es la primera vez que tengo noticias suyas.

Con respecto a las dos películas españolas yo prefiero "[REC]" ya que viendo "Los abandonados" me aburrí soberanamente.

[joseinferno]

Coincido con lo de David Lynch, mirando la lista veo que tampoco esta Calvarie....

claro, es del mismo estilo que las otras dos francesas, mas violencia en grandes dosis... ja

[darkland]

http://img33.imageshack.us/img33/6721/haceunmillondeaos.jpg

Producida por Hammer Films en 1966, "Hace un millón de años" se ha convertido con el paso del tiempo en un clásico del cine de aventuras fantásticas, fundamentalmente, por dos motivos. El primero de ellos, por los excelentes efectos especiales de Ray Harryhausen y su maravillosa fauna de (quiméricos) dinosaurios, los cuales dinamizan el relato con sus escalofriantes apariciones. El segundo, por su delirante (falsa) reconstrucción de una prehistoria donde conviven cavernícolas y criaturas del jurásico. De hecho, "Hace un millón de años", narra las aventuras de Tumak (John Richardson), quien al ser expulsado de su hogar por los miembros de su propia tribu, el malvado pueblo de las piedras, es acogido por el clan de las conchas, formado por seres bondadosos y nada violentos, donde se enamora de Loana (Raquel Welch). La pareja decide enfrentarse, sin el apoyo de la tribu, a un mundo de horribles bestias y devastadoras erupciones volcánicas... Y como tercer elemento que ha consagrado a "Hace un millón de años" como un clásico, está la fascinante presencia de la Welch, cuyo bikini de cuero dejó una huella imborrable en toda una generación de espectadores, consagrándola como sex symbol... Fue la mayor producción que acometió la Hammer Films en su historia (2.5 millones de libras esterlinas), pero recuperó diez veces la inversión -la película se convirtió en una de las diez más taquilleras en USA de 1967-.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

[darkland]

http://img691.imageshack.us/img691/2199/rayrussell.jpg

Periodista, escritor y guionista cinematográfico, Ray Russell (1924-1999) fue editor asociado de "Playboy" (1954) y, un año después, editor ejecutivo de la revista (1955-1960), donde publicaría numerosos relatos propios y ajenos que combinaban sexo y terror. Posteriormente, escribió diversas novelas de terror, muy bien acogidas por el público, como "The case against Satan" (1962), centrada en la lucha de una jovencita contra el Diablo, e "Incubus" (1976), historia sobre las pavorosas andanzas de un lúbrico demonio -y que el realizador inglés John Hough llevó al cine en 1981, con el título de "Incubus", con John Cassavettes como protagonista, dando lugar a una interesantísima película de horror-. También se le recuerda por su colaboración con el realizador de películas de horror de serie B William Castle (1914-1977), para quien adaptó a la pantalla uno de sus cuentos fantásticos más populares, "Mr. Sardonicus" (1961). Pero quizá los mejores trabajos de Russell en Hollywood sean los que efectuó para Roger Corman, adaptando a Edgar Allan Poe en "La obsesión" (1962) y escribiéndole el libreto original de la inquietante "El hombre con rayos X en los ojos" (1963). Esta última es un título mítico de la ciencia ficción de los sesenta, donde Ray Milland encarna a un oftalmólogo que inventa una fórmula química la cual, aplicada a los ojos, permite percibir las ondas de luz que habitualmente no capta la retina. De este modo puede leer un libro cerrado, diagnosticar una enfermedad sin pasar al paciente por los rayos X o ver a través de las ropas de la gente. Pero la cosa se complica cuando se vuelve adicto a la droga y su poder de visión se amplia cada vez más.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops


ENLACES:

Pelicula "Mr. Sardonicus": Contenido visible sólo para usuarios registrados

[darkland]

http://img121.imageshack.us/img121/8346/elhombreinvisible.jpg

A pesar de que el filósofo griego Platón (428 a.C.-347 a.C.) utilizó a un perverso Hombre Invisible como metáfora para explicar algunas de sus ideas metafísicas y epistemológicas en el Libro VII de su obra "La República" -texto del cual, según declaración propia, Paul Verhoeven sacó varias sustanciosas ideas dramáticas para su film "El hombre sin sombra" (2000)-, no será hasta el siglo XIX, con el nacimiento de la ciencia ficción literaria, cuando el personaje adquirirá categoría de mito. Concretamente, gracias a la famosa novela de H.G. Wells "El hombre invisible", publicada por capítulos en la revista "Pearson's Magazine" en 1897. Su protagonista es Griffin, un brillante científico que consigue sintetizar una sustancia llamada monocaína que transforma todo organismo vivo, regado por sangre, en un ser transparente; sin embargo, el hallazgo acaba convirtiendo al investigador en un criminal cuyo principal móvil es hacer realidad sus delirantes sueños de poder. Prototipo del mad doctor moderno, Griffin, el Hombre Invisible, delirante demiurgo que cree haber robado el fuego de los dioses, no es más que un sabio idealista y algo despistado cuyo asombroso descubrimiento, por ignorancia, se le va de las manos.

Una historia así no podía pasar desapercibida por el cine. Su primera adaptación oficial a la gran pantalla, "El hombre invisible", es una película producida en 1933 por Universal Pictures y dirigida por James Whale, autor de "El doctor Frankenstein" (1931). Griffin, interpretado por Claude Rains -al que se le añadió el nombre de "Jack"-, deriva como en el caso de la criatura de Frankenstein, en un personaje doliente, torturado por su propio descubrimiento, mutilado moral y físicamente al perder su imagen. La película, considerada uno de los grandes clásicos del cine de terror de la Universal, tuvo un gran éxito de taquilla, lo que originó varias secuelas que tenían poca relación con la historia original de Wells. Destaquemos "El hombre invisible vuelve" (Joe May, 1940), donde el nuevo Hombre Invisible, Frank Griffin (John Sutton), ya no es un villano, sino un científico tentado por la curiosidad, en un divertido film de serie B a medio camino entre la aventura, el thriller y el humor; no obstante, "The invisible woman" (A. Edward Sutherland, 1940) e "Invisible agent" (Edwin L. Marin, 1942) ya indicaban una clara decadencia en el tratamiento fílmico del personaje, especialmente en el primer caso -una comedia "fantástica" nada apasionante-, mientras que la segunda mezcla enfrenta al personaje con la misma Gestapo nazi, convertido en espía del ejército USA durante la Segunda Guerra Mundial. Afortunadamente, la serie Universal se clausuró con una película terrorífica, "The invisible man revenge" (Ford Beebe, 1944), en la que un tal Robert Griffin (¡), cegado por una terrible sed de venganza, atenta contra un tal Dr. Drudy (John Carradine), en medio de una sombría orgía de destrucción y muerte. En cuanto a la deleznable comedia "Abbot & Costello meet the invisible man" (1951), el silencio es el mejor comentario.

Posteriormente, el personaje del Hombre Invisible ha sido retomado por el cine japonés -"Tomei ningen" (Motoyoshi Oda, 1954), una adaptación libre de la historia de H.G. Wells-, y por el cine alemán, con "Las garras invisibles del Dr. Mabuse" (Harald Reinl, 1961) que, como su propio título indica, mezcla el tema de la invisibilidad con el maléfico supervillano creado por el escritor luxemburgués Norbert Jacques y popularizado en el cine por Fritz Lang. Tampoco debemos olvidar el cine italiano, con "El hombre invisible" (Antonio Margheritti, 1970), una comedia desmitificadora bastante tontorrona, o el cine francés, con "Orloff y el hombre invisible" (Pierre Chevalier, 1970). Pero siempre como simple carne de exploit, de films dramáticamente poco estimulantes y visualmente nulos, a pesar de las posibilidades del tema. Solamente la versión humorística de la historia, protagonizada por Chevy Chase y dirigida por John Carpenter, con el título "Memorias de un hombre invisible" (1992), junto a la versión ya citada de Verhoeven, "El hombre sin sombra", salvan el balance cualitativo del mito en su andadura cinematográfica.


Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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Ernest Beaumont Schoedsack (1893-1979) empezó a trabajar en la industria del cine hacia el año 1914, en la Keystone Productions, como cámara al servicio de Mack Sennett. Llamado a filas, durante la Gran Guerra formó parte de la Signal Corps en calidad de operador de noticiarios bélicos, y después del armisticio siguió filmando reportajes para los EE.UU. desde Europa. En 1920, durante sus múltiples desplazamientos por el viejo continente, conoce en Polonia a Merian C. Cooper, periodista y piloto, con quien iniciará una fructífera asociación profesional. Juntos dirigirán un par de largometrajes que, según todas las fuentes consultadas, marcaron un hito dentro del cine documental de la época: "Grass" (1926) y "Chang" (1927). El primero sigue la migración de una tribu nómada persa en busca de pasto para sus animales, crudo reflejo de la batalla del hombre contra la hostilidad de los elementos y el entorno natural. La segunda muestra la vida cotidiana de una familia tailandesa que vive en las profundidades de la jungla, y cuyo clímax es una estampida de elefantes que destruye la aldea donde habitan los protagonistas...

Sorprende comprobar que los prolegómenos de la carrera fílmica de Ernest B. Schoedsack nada tuviesen que ver con su trayectoria posterior. Schoedsack fue un singular poeta de lo fantástico que, tras su primer contacto con el cine de ficción en 1929 gracias a "Las cuatro plumas" -segunda versión cinematográfica de la popular novela de A.E.W. Mason-, abandonó el parco realismo documentalista de sus comienzos para decantarse abiertamente, a partir de "El malvado Zaroff" (1932), por relatos que basculaban entre lo terrorífico y lo onírico, lo aventurero y lo perverso. Como cineasta fantástico, en cuanto a planteamientos, el trabajo de Schoedsack roza casi la ejemplaridad. Tiene el talento suficiente para tejer un halo de misterio estético alrededor de los acontecimientos y las imágenes, incluso en aquellos títulos que menos se prestan a ello -"El hijo de Kong" (1933), "El gran gorila" (1949)-. Misterio no sólo palpable en su pictórica puesta en escena, sino en la fuerza de su narrativa visual, donde cada fotograma está repleto de estímulos, de sensaciones, adquiriendo violentamente vida y emoción. Por ejemplo, en "King Kong" (1933), su obra maestra -que codirigió con su socio y amigo Merian C. Cooper-, los continuos combates del monstruoso gorila contra otras bestias prehistóricas muestran la excitación bizarre del relato sin olvidar cierto realismo narrativo. A su vez, en "Dr. Cyclops" (1940), una de las grandes obras de Schoedsack y su única contribución al cine de ciencia ficción, incide en semejante principio con inusitada originalidad.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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La temprana vocación de Steven Spielberg como narrador quedó al descubierto gracias al telefilm "El diablo sobre ruedas" (1971). Ante todo y, sobre todo, el director de "Tiburón" (1975) busca un claro efecto dramático, más allá de la simple contemplación o de la más viva reflexión. El duelo entre el urbanita gris, David Mann (Dennis Weaver), agarrotado por el pavor al volante de su Plymouth rojo, y el siniestro y bestial camión, especie de monstruo de acero, tiene algo de mítico, como la desigual lucha del bravo guerrero medieval contra un dragón escupefuegos. ¿Es por ello que la rejilla metálica que protege el radiador, situada en el frontal del camión, se asemeja a unas terribles fauces abiertas? ¿Que su sucia estructura, cubierta de polvo y barro seco, equipare el imponente vehículo a un ciclópeo reptil? ¿Resulta casual también que David Mann cargue de cara, a toda velocidad, contra su feroz adversario, con la puerta abierta de su automóvil, mientras su cuerpo sobresale como si "cabalgara" sobre el Plymouth? Sin duda alguna, estos apuntes visuales, vacíos de retórica, de esteticismo, no son fruto del azar sino que llevan la firma de un narrador nato conocedor de cuál es la fuerza de lo puramente visual.

Rodada entre el 13 de septiembre y el 4 de octubre de 1971 en un tiempo récord de 13 días, considerando sus numerosas localizaciones en exteriores del estado de California, con un exiguo presupuesto de 375.000 dólares, "El diablo sobre ruedas" obtuvo tamaño éxito en la televisión estadounidense que Universal decidió estrenar este telefilm de lujo en cines fuera de los Estados Unidos. A tal efecto, el estudio financió dos días más de rodaje para que Spielberg pudiera añadir algunas escenas hasta completar una duración estándar de 90 minutos, ya que originalmente el metraje era de 73 minutos.

Curiosamente, la historia que dio lugar al cuento en que se basa "El diablo sobre ruedas", "Duel",, publicado en 1971 por la revista "Playboy", se inspira en una extraña experiencia personal de su autor, el excelente escritor norteamericano Richard Matheson. El mismo día en que fue asesinado el presidente John F. Kennedy, el 22 de noviembre de 1963, mientras regresaba a su casa después de jugar al golf con un amigo, el guionista televisivo y también escritor Jerry Sohl (1913-2002), Matheson padeció el acoso homicida de un gran camión articulado. Después de poner en peligro la vida del novelista durante un par de horas, desapareció sin dejar rastro.


Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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Entre el 20 de diciembre de 1968 -fecha del asesinato de David Faraday y Betty Lou Jensen, dos adolescentes que se hallaban en el interior de un automóvil aparcado cerca de una pequeña población llamada Vallejo-, y el 11 de octubre de 1969 -cuando acribilló a Paul Lee Stine en Presidio Heights-, actuó en el área metropolitana de San Francisco uno de los psycho killers más famosos -y misteriosos- de la historia criminal de los USA, El Zodiaco. El mismo eligió su nombre en una serie de cartas amenazantes que envió a la prensa hasta 1974. En sus misivas incluyó cuatro criptogramas, de los cuales tres todavía no han sido descifrados. Firmaba con una cruz dentro de un círculo. El Zodiaco, como él mismo se reconoció, asesinó a cinco personas e hirió a otras dos, con edades comprendidas entre los 16 y 29 años: además de Faraday, Jensen y Stine, cayeron bajo sus disparos Michael Renault Mageau (herido), Darlene Elizabeth Ferrin, Bryan Calvin Hartnell (herido), y Cecelia Ann Shepard. Aunque el cruel asesino aseguró en una carta dirigida al "San Francisco Chronicle", que había eliminado a 37 jóvenes más. La identidad de El Zodiaco continúa siendo una incógnita. El Departamento de Policía de San Francisco declaró la investigación "inactiva" en abril de 2004.

El Zodiaco aparece por primera vez en una pantalla cinematográfica en abril de 1971, en el film "The Zodiac killer", dirigido por Tom Hansen y protagonizado por Hal Reed y Bob Jones. Ese mismo año, en diciembre, se estrena "Harry el sucio", de Don Siegel, donde el peligroso francotirador al que se enfrenta el inspector Callahan (Clint Eastwood), Scorpio (Andy Robinson), actúa de modo similar a El Zodiaco. Años después, Edward James Olmos protagoniza "The Limbic Region" (1996), un telefilm para HBO basado en el libro documental de Robert Greysmith -caricaturista del "Chronicle" y que, durante mucho tiempo, fue uno de los principales sospechosos de la policía-, "Zodiac" (1986). Y no nos olvidemos de "The Zodiac", de Alex Bulkley, estrenada en USA el 17 de marzo de 2006, que narra las aventuras de un detective de ficción obsesinado con desenmascarar al asesino.

Sin embargo, la gran película sobre El Zodiaco es la dirigida por David Fincher, "Zodiac" (2007). Basada también en textos de Robert Greysmith "Zodiac" y "Zodiac unmasked: The identity of America's most elusive serial killer" (2007). El film capta a la perfección el ambiente de los años 70, mezclando el misterio, el thriller con elementos intriga con elementos detectivescos clásicos y de intriga periodística. Este rigor narrativo es, según Mick LaSalle, el crítico del "San Francisco Chronicle", este es el principal de los méritos y, a la vez, defectos, de la película ya que en ocasiones parece un documental. Película texturas, de momentos, de grandes interpretaciones -Jake Gyllenhaal (Robert Graysmith) y Robert Downey Jr. (Paul Avery)-, "Zodiac" carece de final hollywoodiense, pues concluye, fiel a la realidad, sin despejar las incógnitas.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Doctor Cyclops

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Producido por Universal Pictures en 1935 y dirigido por Louis Friendlander, "El cuervo" es un film insólito para lo que nos tiene acostumbrados el cine de terror americano de la época. Apenas hay ligereza en el tono, sumisión a las convenciones. El relato deambula por las serpenteantes sendas de un Eros fetichista y vagamente necrofílico, perfumado por los angustiosos vahos de la locura. Su protagonista, el Dr. Vollin (Bela Lugosi), prestigioso cirujano dedicado en exclusiva a sus investigaciones, accede a operar a Jean Thatcher (Irene Ware), joven bailarina que ha sufrido un grave accidente automovilístico... La turbada mirada de Vollin hacia la muchacha, a la que está dispuesto a arrancar de las garras de la muerte, revela que, para él, su búsqueda del amor al fin ha concluido. A partir de ese punto, la tragedia empieza a girar alrededor de los personajes.

Rechazado por la muchacha, Vollin planea eliminar al Dr. Halden (Lester Matthews), el padre de Jean, el juez Thatcher (Samuel S. Hinds)...-, y junto a otros amigos de la joven, les ofrece la hospitalidad de su casa. Una vez allí, serenos y confiados, descubren la encerrona: trampillas bajo la alfombra de las habitaciones, de donde surgen silenciosas, reptantes, siniestras figuras; librerías giratorias que conducen a lóbregos sótanos; planchas de acero que tapian las ventanas; teléfonos que no funcionan; portones herméticamente cerrados; estancias móviles que descienden hasta infernales cámaras de tortura; puertas que esconden profundos pozos... "Es como si estuviéramos en una tumba", grita una de las acongojadas víctimas. Vollin, ayudado por su siervo deforme, Bateman (Boris Karloff), se convierte en una especie de libertino del siglo XVIII, enclaustrado en su particular castillo para llevar a la práctica sus fantasías de voluptuosidad y muerte: la tortura, el sufrimiento y la sangre... Toda una joya a descubrir.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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El año 1999 se despidió con el fallecimiento de uno de los últimos clásicos del cine de género europeo: Riccardo Freda. Fue un lunes 20 de diciembre, en un hospital de Roma, amortajado por el más absoluto de los olvidos. Ni tan sólo en su país, con excepción hecha del rotativo "La Repubblica", se ocuparon de su desaparición. Riccardo Freda hacía 19 años que permanecía inactivo profesionalmente y su cine, de honda raíz popular, jamás alcanzó el prestigio logrado por las películas de otros colegas y contemporáneos suyos, como Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Luchino Visconti o Federico Fellini.

Riccardo Freda nació el 24 de febrero de 1909 en Alejandría (Egipto). Entre sus primeros recuerdos de infancia, Freda siempre destacaba la gran afición de su madre por el cine. Mientras el padre, director de una importante sucursal bancaria, se dedicaba a los negocios, madre e hijo frecuentaban las salas de la capital donde se proyectaban los films épicos italianos de Pastrone, Brignone o Denizot. La familia se trasladó posteriormente a Milán, en 1919. Allí Freda estudió escultura y pintura en, la Academia de Bellas Artes y colaboró como crítico de arte en "Il Popolo" de Lombardia. A partir de 1933 empieza a trabajar en el Centro Sperimentale di Cinematografia, y un par de años más tarde ejerce como director artístico de Tirrenia Films. En 1937 inicia su actividad como guionista y, hacia 1940, funda la productora Elica Films con la que, dos años más tarde, produce su primera película como realizador, "Don Cesare di Bazan".

La obra de Riccardo Freda, compuesta por 43 largometrajes, es un prodigio de eclectismo donde conviven sin problemas los más diversos géneros: cine de aventuras -"El caballero misterioso" (1948), "El hijo de D'Artagnan" (1949), "El diablo blanco" (1959)-; adaptaciones literarias alrededor de Alexander Pushkin -"Aguila negra" (1946)-, Victor Hugo -"I miserabili" (1947)- o William Shakespeare -"Los amantes de Verona" (1964)-; films históricos -"Teodora" (1953), "El magnífico aventurero" (1963)-; "peplums" -"Los gigantes de la Tessaglia" (1960), "Maciste all'inferno" (1962)-; cine de ciencia ficción -"Caltiki, il mostro inmortale" (1959)-; films de terror -"Los vampiros" (1957), "L'orribile segreto del dottore Hichcock (1962), "Trágica ceremonia en villa Alexander" (1972)-; gialli -"A doppia faccia" (1969), "La lengua de fuego de la iguana" (1971)-; spaghetti western -"La morte non conta i dollari" (1967)-.

A primera vista, una filmografía tan variada invita a pensar que el arte de Riccardo Freda se caracterizaba por la excentricidad o, quizás, por una pasmosa falta de personalidad. Nada más lejos de la verdad. Su disparidad temática y genérica, fruto de las inquietudes culturales del realizador italiano, se organizó siempre en función de un estilo visual tan compacto como poético, tan provocador como sobrio. "Amor, violencia y terror son para mí los elementos del cine. Lo demás no me interesa. En el cine me gusta lo heroico. Soy partidario del antirrealismo. El realismo es plano, monótono y moderno en el sentido más estúpido de la palabra". Así de claro expresaba sus ideas acerca del cine Riccardo Freda.


Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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Publicada en 1956, "El hombre menguante" ("The shrinking man"), segunda novela del escritor norteamericano Richard Matheson (New Jersey, 1926), constituye una de las más sustanciosas muestras del talento literario de su autor. En el prólogo de la primera edición en castellano ("El hombre menguante" de Richard Matheson. Editorial Bruguera, 1977), el especialista Carlo Fabretti argumentaba: "A lo largo de la narrativa de Richard Matheson encontramos, estrechamente interconectados, dos temas recurrentes: la soledad del hombre frente a un entorno hostil y la relatividad de las concepciones humanas. (...) En 'El hombre menguante' la relatividad de lo humano ya no es sólo un trafondo conceptual, sino un entorno físico. Un gato pasa a convertirse realmente en un tigre; una araña, en un monstruo de pesadilla como ningún troglodita tuvo que afrontar jamás. Pues otra de las características de Matheson es que, para crear situaciones extraordinarias o terroríficas, no suele imaginar mundos o ambientes extraños, sino -lo que es mucho más inquietante- se limita a alterar la perspectiva de lo cotidiano".

Quizá no resulte de buen tono atribuir al propio Matheson gran parte de los méritos que posee la cinta, por otra parte excelente, dirigida por Jack Arnold, "El increíble hombre menguante" (1957). Con indeseable frecuencia, algunos eruditos y cinéfilos cometen el grave error de sublimar el trabajo de modestos realizadores, confundiendo profesionalidad con autoría. Jack Arnold (1916-1992) ostentó durante toda su carrera, pero muy especialmente en sus películas de ciencia-ficción, una innegable integridad creativa, la cual lo convirtió en una "rareza". Títulos como "Ït came from outer space" (1953) o "La mujer y el monstruo" (1954) subrayan la fuerte personalidad de un artesano carente de un mundo personal expresado en términos de repetitividad ética y estética, pero dotado de un innegable dominio de la técnica cinematográfica, de un talento natural y espontáneo para la síntesis conceptual a través de imágenes casi abstractas. Como bien explicaba Arnold "un buen director debe pensar y sentir visualmente (...) debe tener una moviola en su cabeza. Debe haber finalizado completamente el film en su cabeza desde el inicio del rodaje..." (declaraciones extraídas de "Directed by Jack Arnold" por Dana M. Reemes. Ed McFarland and Company. Londres 1988).

Con un ajustado presupuesto de 750.000 dólares, y secundado por técnicos de la categoría de Ellis W. Carter (fotografía), Clifford Stine, Roswell A. Hoffman y Everett H. Broussard (efectos especiales) y Robert Clatworthy y Alexander Gollitzen (dirección artística), Jack Arnold consiguió sintonizar con el inmejorable texto original de "El increíble hombre menguante", convirtiéndolo en un film a la vez dramático y terrorífico, emotivo y sensitivo. El mediocre americano medio Scott Carey (Grant Williams), a medida que va disminuyendo de tamaño, paradójicamente, irá "creciendo" como ser humano, enfrentándose al mundo monstruoso que le rodea utilizando toda su fuerza y astucia. Resulta ejemplar la forma, al mismo tiempo realista y surreal, de mostrar cómo un alfiler puede transformarse en un temible arpón, el hilo de coser en soga para trepar, un pedazo de pan duro aparecer como una providencial y sustanciosa fuente de alimento, la rejilla del desagüe asemejarse a un cavernoso abismo, la rotura de un depósito de agua derivar en una pavorosa inundación, o una minúscula araña común transformarse en una feroz bestia mitológica... He aquí la dimensión épica del film: el enfrentamiento del hombre contra su soledad, sus miedos, su pequeñez y su grandeza.


Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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"Hubo un tiempo en que las noches eran para dormir, para soñar y para levantar temores", dice el protagonista de "La hora del lobo", el pintor Johan Borg (Max Von Sydow), quien se ha recluido en la isla de Farö -ese emblemático espacio cerrado bergmaniano, de impresionantes acantilados e imponentes playas-, incapaz de comprender el mundo exterior, acosado por sus propios fantasmas. "Estos fantasmas amables, brutales, malos, alegres, tontos, tontísimos, buenos, apasionados, cálidos, fríos, bobos, inquietos. Van conspirando cada vez más contra mí, se hacen misteriosos, ambiguos, extraños, a veces amenazadores", escribió el inolvidable cineasta sueco Ingmar Bergman en el diario de rodaje de la película.

"La hora del lobo" es, quizá, la menos conocida obra maestra de Bergman, así como la más perturbadora. La película reflexiona, con ferocidad poco habitual en la obra del cineasta escandinavo, sobre la relación entre el artista y el mundo. Esto la convierte en un film de horror en estado puro, no únicamente por su sombría estética expresionista -recordemos la secuencia onírica en la que Borg rememora el ataque y mordedura de un perro que sufrió cuando era niño: la ausencia de voces y sonidos; los rápidos movimientos de cámara; la fotografía "quemada", sobreexpuesta; el primer plano del rostro de terror de Alma (Liv Ullmann)-, sino por su fantasmagórica construcción dramática, propia de los relatos de E.T.A. Hoffmann, donde las pesadillas y la realidad acaban confundiéndose. Al respecto, destacar la escena en que una espectral vieja que se "quita" la cara y se arranca los ojos, introduciéndolos en dos copas de vino antes de beber; los bufones/monstruos que moran en el palacio donde se ha encerrado mentalmente Borg; el instante en que el barón Von Merkens (Erland Josephson) trepa como una araña hacia el techo; el enfrentamiento entre Borg y el niño-demonio en las rocosas costas de la isla... "La hora del lobo" es, que duda cabe, una maravillosa muestra de cine fantástico, terrorífico, que nada tiene que ver con las más trilladas convenciones del género, con sus artificios y sus trucos.

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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Según los entendidos en la materia, el término Kaiju Eiga se suele emplear para definir las películas (Eiga) de monstruos (Kaiju) japonesas. Y, como suele ocurrir con este tipo de calificaciones genéricas, hay diferentes tipos de Kaiju Eiga que definen más o menos sus contenidos, por ejemplo, el Daikaiju Eiga o "cine de monstruos gigantes" -lo cual provoca cierta confusión ya que casi siempre, los Kaiju Eiga están "protagonizados" por monstruos gigantes...- o el Uchu Daikaiju Eiga o "cine de monstruos gigantes venidos del espacio". Nacido en 1954 a raíz del atronador éxito popular de "Godzilla / Japón bajo el terror del monstruo" (Ishirô Honda, 1954), el Kaiju Eiga es el producto de una singular mezcolanza de elementos culturales. Por un lado, el cine de monstruos estadounidense de los años cincuenta -cf. "El monstruo de tiempos remotos" (Eugène Lourié, 1953), "La humanidad en peligro" (Gordon Douglas, 1954)-, una peculiar interpretación cinematográfica del horror de la población nipona ante la bomba atómica y/o los fenómenos naturales como los tifones, terremotos, etc. Así pues, los Rodan, Mothra o Gamera de turno son los demonios de lo viejo y lo nuevo que atormentan al Japón de posguerra. Finalmente, reseñar que varios de los Kaiju Eiga más célebres son "Mosura / Mothra" (1961), "Godzilla contra Ghidorah, el dragón de tres cabezas" (1964), a las que cabe añadir "Frankenstein conquers the world" (1965), "La batalla de los simios gigantes" (1966), "King Kong se escapa" (1967) -que serían Daikaiju Eiga-, y "Los monstruos invaden la tierra" (1965), e "Invasión extraterrestre" (1968) -claros ejemplos de Uchu Daikaiju Eiga-, todas ellas firmadas por el mayor especialista del género, Ishirô Honda.


Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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En el momento de su estreno, hace ya treinta años, fue tachada de chapucera, efectista, hiperviolenta... Pero, actualmente, "Nueva York bajo el terror de los zombi" es una auténtica cult movie no solamente por la firma de su realizador, Lucio Fulci (1927-1996), sino porque está íntimamente ligada a la práctica del cine de horror transalpino durante esa época, el cual no sólo reformulaba las convenciones del género a través de una estética pobre e hiperrealista, sino por medio de los mecanismos de promoción de una película, por la manera en que trata de reflejar / satisfacer las expectativas del público, por el tono especial de cada título.

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Así, "Nueva York bajo el terror de los zombi" intenta descaradamente subirse al carro del éxito cosechado por "Zombi" (George A. Romero, 1978), pero "a su manera". Es decir, sustituyendo sus componentes políticos / metafóricos por elementos narrativos, dramáticos, iconográficos, sacados del cine sobre / con Mad Doctors, fusionando el mito del muerto viviente (o zombi) caribeño con el cadáver antropófago imaginado por Romero, e incrustando el terror en un esqueleto argumental típico del cine de aventuras hollywoodiense. Resulta, pues, chocante, ver cómo los autores del film -Fulci y los guionistas, Elisa Briganti y Dardano Sacchetti- citan literalmente a su inicio aquel pasaje del "Drácula" de Bram Stoker -y de algunas de sus versiones cinematográficas, como "Nosferatu, el vampiro" (F.W. Murnau, 1922)-, en que un fantasmal navío sin tripulación llega a las costas de Inglaterra -aquí, el puerto de Nueva York- con una carga de espanto y destrucción -el zombi obeso (¡) que muerde al policía y, como veremos al final, desencadena el Apocalipsis...-, todo ello pasado por un look sucio y deprimente, o la delirante escena, al más puro estilo comic negro italiano, de la lucha entre un tiburón y un zombi (¡!), combinada con unas buenas dosis de exhibicionismo físico femenino -con esa submarinista buceando cubierta únicamente por un tanga...-. Asimismo, "Nueva York bajo el terror de los zombi" subraya la pútrida fealdad de los muertos vivientes, la violencia física con numerosos insertos de mordiscos y laceraciones, o la terrible escena en que uno de los ojos del personaje de Paola Menard (Olga Karlatos) es atravesado con una astilla de la puerta, tras ser atrapada por un zombi.

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Con un reducidísimo presupuesto de 212.000 euros -410 millones de liras italianas de la época-, "Nueva York bajo el terror de los zombi" se filmó en los Elios Studios de Roma, en Nueva York, Santo Domingo (República Dominicana) e Isla Mujeres (México), entre el 11 de junio y el 6 de julio de 1979. La idea de la película surgió del escritor Dardano Sacchetti, quien pretendía adaptar un cómic del Oeste con zombis para el productor Fabrizio de Angelis. Una vez definido el proyecto -Sacchetti no trabajó en el libreto final, cosa que sí hizo su esposa, Elisa Briganti, puesto que el padre de aquel había fallecido recientemente y no se sentía cómodo en una película sobre semejante tema-, se contactó con el realizador Enzo G. Castellari -especializado en cintas de acción: por ejemplo, la mítica "Aquel maldito tren blindado" (1978)-, quien rechazó el ofrecimiento pero recomendó a Lucio Fulci, quien hizo pequeños milagros con el presupuesto, al igual que el maquillador Gianetto De Rossi y el fotógrafo Sergio Salvati. Curiosamente, Dario Argento, productor de "Zombi" de Romero, escribió una carta muy agresiva a Fulci recriminándole haberle "plagiado" su "invención". Este último, sin alterarse, le contestó con otra misiva donde había únicamente una relación de cien títulos, de diversos países y épocas, con la palabra "zombi", y una frase lapidaria: "Querido Dario, creo que no has inventado una mierda".

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad
Autor: Dr. Cyclops


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Yasuzo Masumura

Dirigida en 1969 por Yasuzo Masumura, con Eiji Funakoshi, Mako Midori y Noriko Sengoku.

Sinopsis: Ayudado por su madre, un escultor ciego secuestra a una joven y bella modelo, que una vez convencida de que no podrá escapar de las garras de su captor se deja seducir por el mismo, mientras el desequilibrado artista intenta hacer una escultura viviente de ella... para lo cual ha de llevar a cabo algunas modificaciones.

Comentario: En el momento de escribir estas líneas resulta imposible encontrar copias en España de esta interesante película, que no obstante recomendamos para el caso de que en alguna ocasión el lector tenga la buena fortuna de tropezarse con ella, ya que se trata, como hemos podido comprobar, no sólo de una de esas rarezas capaces de apasionar al cinéfilo, sino también de una exótica muestra de cine de terror capaz de ser al mismo tiempo sugerente y entretenida, a la vez que visualmente arrolladora y posiblemente un buen ejemplo para explicar la conjunción del cine con las otras artes. Su director, Yasuzo Masumura, nacido en Japón en 1924 y fallecido en 1986, se inició en el cine en el año 1956 ejerciendo como asistente del maestro Kenji Mizoguchi. En esta ocasión adaptó un relato de Rampo Edogawa (Hirai Taro), célebre escritor de relatos fantásticos nipón adaptado al cine en reiteradas ocasiones. Tomando el fetichismo como referente inmediato, en un momento en que Japón estaba viviendo una etapa de liberación sexual, es una película dedicada a plasmar las sensaciones de los dos prisioneros del relato, el escultor ciego que está atrapado por su obsesión en su taller, y el objeto de esa obsesión, la modelo, que sometida a la oscuridad acaba siendo ella también ciega, como su secuestrador. El referente principal es sin duda "El coleccionista", dirigida por William Wyler en 1965, y si queremos completar la cadena de influencias o semejanzas de este filme sobre otras producciones podríamos llegar hasta "El imperio de los sentidos" y la más reciente "Audition", sin olvidar "Bilbao", dirigida por Bigas Luna en 1978.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán

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Revista publicada por la editorial de Jim Warren a partir de 1964, era directa heredera de las publicaciones de la E.C. Comics de Gaines. Para evitar la perniciosa censura autoimpuesta por los editores de cómics durante la caza de brujas desatada por el psiquiatra Frederic Wertham, Warren decidió pasarse al campo de las revistas en blanco y negro, donde el abrazo de la censura del Comics Code no alcanzaba. De esa forma pudo publicar historietas de terror con vampiros, brujas, zombies y hombres lobo, todos ellos proscritos por el sello de la censura. Siguiendo el patrón establecido por la E.C. las historias eran presentadas por un monstruo que aprovechaba la primera y última página para hacer gracietas sobre la suerte corrida por el protagonista de turno, realizando también de vez en cuando algún comentario durante el desarrollo. En el caso de "Creepy", dicha labor recaía en el Tío Creepy, un tipo calvo, alto y siniestro de oscuros ropajes y humor aún más negro. Cuando fue editada por primera vez en España por la editorial Garbo, su nombre también fue traducido, en este caso por el de tío Vampus, si bien años después contó con una edición a cargo de Toutain Editor en la que se respetó no nombre anglosajón. El éxito logrado con la publicación propició otras cabeceras como "Eerie", que tuvo la desgracia de ser bautizado en la edición en castellano con el nombre de "Rufus", o "Vampirella", vampiresa venida del planeta Drkulón dibujada magistralmente por el español Pepe González. El impacto obtenido por la Editorial Warren llevó a que otras editoriales como Marvel probaran también suerte en el campo de las revistas en blanco y negro, con títulos como "Dracula Lives!", "Tales of the Zombie", "Vampire Tales" o "Monsters Unleashed". "Creepy" contó con dibujantes norteamericanos de reconocido prestigio en la industria, así con un elenco de dibujantes españoles de gran talento como José Ortiz, Esteban Maroto, Luis Bermejo y el mencionado Pepe González.

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Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán

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Escritor nacido en Inglaterra en 1795 y fallecido en 1821, era hijo de un patriota italiano, y se graduó en Medicina en el año 1815, pasando al año siguiente a ocupar un puesto como secretario y médico personal del poeta y aventurero Lord Byron. Fue precisamente en ese año de 1816 cuando coincidió con otras figuras literarias como Percy Bysse Shelley y Mary Wolstonecraft, además del propio Byron, en la mansión Villa Diodati, en Ginebra, en la velada de la que surgieron dos creaciones básicas para la literatura de terror. "Frankenstein o el moderno Prometeo" fue la creación de Mary Wolstonecraft, y "El vampiro" fue la creación con la que Polidori se adelantó e influyó más tarde en el autor de "Drácula", Bram Stoker. Aunque concebida en aquella noche, el relato de Polidori no se publicó hasta el año 1819. Al parecer el escritor se inspiró en el propio Lord Byron para crear a su vampírico personaje, Lord Ruthven, del mismo modo que años después Bram Stoker se inspiraría en el actor Henry Irving, a cuyas órdenes trabajaba, para perfilar su conde Drácula. Byron despidió a Polidori en el año 1821, después de que éste publicara un poema titulado "La caída de los ángeles", en el que volcó sus ambiciones literarias. Falleció en extrañas circunstancias que han llevado a algunos a afirmar que se envenenó a sí mismo. Era un personaje complejo, con unas relaciones muy difíciles con el resto de los reunidos en Villa Diodati, y fue mostrado excepcionalmente bien por el director español Gonzalo Suárez en la película "Remando al viento" (1988), en la que recrea el encuentro contando con José Luis Gómez en una excelente interpretación de Polidori, y con Hugh Grant como Lord Byron, Lizzy McInnerny como Mary Shelley y Valentine Pelka como Percy Shelley.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán

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Creado en 1964 por el editor, periodista y escritor Max Bunker -alias de Luciano Secchi-, el personaje de Kriminal es uno de los más famoso de los fumetti neri (cómics negros) italianos de los años sesenta. Anti-héroe al margen de la ley, violento y falto de escrúpulos, ataviado con un siniestro traje de esqueleto, Kriminal es en realidad Anthony Logan, un ladrón y también asesino que no duda en eliminar a cuantos entorpecen su camino. No en vano es llamado "el rey del crimen", porque la policía y sus numerosos enemigos dentro del hampa jamás pueden atraparlo o acabar con él. Con todo, Logan no es un psicópata, sino un individuo atormentado por el oscuro pasado que, en ocasiones, exhibe un peculiar sentido del honor. La serie, debido a sus altas dosis de erotismo y violencia, padeció los rigores de la censura, el secuestro judicial y las críticas del Vaticano, lo cual no hizo sino aumentar su popularidad.

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En 1966 el realizador Umberto Lenzi firma la primera adaptación fílmica del personaje de Max Bunker, "La máscara de Kriminal", protagonizada por el actor holandés Glenn Saxson -en realidad, llamado Roel Bos-, un tipo inexpresivo y nada inquietante dadas las características de Kriminal. Además, los contenidos sexuales y sádicos se redujeron a la mínima expresión, a fin de confeccionar un film "para todos los públicos", ligeramente simpática, por lo que pudo estrenarse sin problemas en España -significativamente, los cómics jamás vieron la luz en nuestro país-. No obstante, su éxito fue clamoroso, dando origen a una mediocre secuela, "Il marchio di Kriminal" (1968), de Fernando Cerchio y Nando Cicero.

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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La producción más comercial del fantástico y el horror del 2010 se presenta rica y variada. El show ya ha empezado ("El hombre lobo", "El libro de Eli", "Daybreakers"...) pero se presenta rico en sorpresas. Así algunos remakes pintan de lo más apetecibles (toquemos madera), como el de "The crazies", dirigido por Breck Eisner (seamos sinceros, el original no es de lo mejor de Romero...), "A nightmare on Elm Street" o, sobre todo, "Piraña 3-D", de Alexandre Aja, sin olvidar el toque siniestro y serio que Darren Lynn Boussman ha dado a "Mother's day", la comedia gore de culto de los inicios de la Troma. Algunas películas no son remakes pero recuerdan a otras vistas como "Season of the witch", de Dominic Sena, que recuerda a una especie de "Solomon Kane" con Nicolas Cage con melenas... y que, a su vez, se parece a "Black death", lo nuevo de Christopher Smith, director de "Creep" y de la, aún inédita, "Triangle", film que puede que se estrene por aquí en el presente año (y que se parece a su vez a "Los cronocrímenes" en un barco...). También "Repo men", de Miguel Sapochnick, se parece a "Repo! The genetic opera" pero sin canciones y con Jude Law, aunque su campaña de posters es realmente cool. Por su parte, Eli Roth no se olvida del fantástico y produce la satánica "Cotton", de Daniel Stamm, mientras que Megan Fox (sin Diablo Cody, please) aterriza en ese western fantástico tan apetecible que puede ser "Jonah Hex", de Jimmy Haywartd, mientras que Robert Rodriguez se encarga de la imprescindible "Machete" y produce a Nimrod Atal en la esperada "Predators", ahora divorciados de los aliens para bien de unos y otros.

Pero sin duda, el gran acontecimiento de la primera mitad del 2010 es la conclusión de la gran serie de nuestra época, la obra de culto por excelencia de los 2000, la magistral "Perdidos", uno de los regalos que nos ha dejado por el momento J.J. Abrams. Y es que si el cine falla, siempre tendremos nuestra caja de TDT, que entre basura y más basura (incluyendo telenoticias) ofrece joyas a rescatar y consumir con pasión.

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad (sección Zona sin límites)
Autor: Angel Sala

http://www.youtube.com/watch?v=lEMZwQulT1Q

http://www.youtube.com/watch?v=opNcjjniTuE

http://www.youtube.com/watch?v=luFkSVJmobA

http://www.youtube.com/watch?v=6E3uM2-OS0I

http://www.youtube.com/watch?v=PL34tf4fJ7o

http://www.youtube.com/watch?v=IA6NR5-qCsQ

Por mi parte decir que hace tiempo que vi "Triangle" y es cierto que se parece mucho a "Los cronocrímenes". Se trata de una película bastante entretenida. No puedo decir lo mismo de la última temporada de "Perdidos". Creo que los guionistas han perdido el rumbo de la serie hace tiempo y se está volviendo demasiado confusa. Mi serie favorita sigue siendo "Dexter", una auténtica maravilla (incluso me gusta más que "A dos metros bajo tierra"). Alan Ball nos ofreció después "Tru Blood", que tampoco está nada mal, aunque me quedo, sin duda alguna, con "A dos metros...".

Saludos

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http://img72.imageshack.us/img72/1252/mariobava.jpg

Nacido en San Remo, Italia, en 1914, y fallecido en Roma en 1980, víctima de un ataque al corazón, está considerado como el más destacado realizador de cine de terror italiano. Estudió pintura y fotografía, y realizó su primer cortometraje en el año 1939. Ejerció como director de fotografía y encargado de los trucos visuales, hasta la década de los sesenta, momento en el que inició su carrera como realizador. En ese momento había ganado ya gran reputación profesional como encargado de los efectos especiales. Riccardo Freda, Jacques Tourneur y Raoul Walsh se habían servido de sus trucos para poner en pie algunos momentos especialmente destacados de sus filmes, y tras sustituir a Freda en "Los vampiros", de 1956, se le abrieron las puertas de la realización de sus propias películas, no sin antes tener que completar otras dos películas que habían quedado a medio hacer, "Catilki, el monstruo inmortal", y "La batalla de Maratón". El éxito conseguido en 1960 por "La máscara del demonio", su primera película como realizador en solitario, le llevó a encadenar una serie de proyectos que le convirtieron en el más importante representante del cine de terror de los años sesenta, con títulos como "Hércules en el centro de la tierra", mezcla de peplum y terror con vampiros, "Más allá del exorcismo", "Las tres caras del miedo", "Seis mujeres para el asesino", "Cinco muñecas para la luna de agosto", "Bahía de sangre", "La casa del exorcismo", o "Shock". Antes de morir tuvo tiempo de completar los efectos especiales para la película "Inferno", de Dario Argento. Llegó a firmar algunos de sus trabajos para el cine con los alias de John Foam, Marie Foam, John Hold, Mickey Lion, y John M. Old.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán

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¿A qué solemos referirnos cuando hablamos del cine exploitation? Según el periodista y cineasta estadounidense Ephraim Katz, una película exploitation es aquella que se ha hecho "prestando muy poca atención a su calidad artística, concentrándose en el beneficio rápido, usualmente alcanzado por medio de una agresiva técnica de ventas y promoción, enfatizando los aspectos más sensacionalistas del producto" ("The Film Encyclopedia 5e: The Most Comprehensive Encyclopedia of World Cinema in a Single Volume". Harper Collins, Nueva York, 2005). La rapacidad es, a todas luces, el motor que mueve el cine exploitation. No obstante, limitarlo todo a una cuestión pecuniaria es simplificar el asunto en exceso. El cine exploitation atiende a la demanda del público que reclama productos cuyos valores culturales -las líneas maestras dramáticas y plásticas fijadas por el original- estén modelados por significaciones contraculturales -la reinterpretación pop o caricaturesca, violenta o efectista, de aquellas líneas maestras-. Ciertamente, el cine exploitation, y más aún el vinculado al cine fantástico y de terror, suele hacerse en condiciones laborales precarias: presupuestos muy bajos, pocos días de rodaje, guiones mediocres, actores y técnicos de segunda fila o con escasa experiencia profesional... Todo ello ligado a unos objetivos comerciales muy precisos, sin margen para el riesgo, oscilantes entre la más estricta rapiña comercial -marcada por la frugalidad o el miseralismo de la producción-, o por una idea de la artesanía fílmica absolutamente dislocada -donde los medios técnicos y los objetivos creativos jamás llegan a armonizarse-. Sin embargo, la estrecha relación del exploit con el modelo a imitar -la fijación por los "modelos", los "referentes", especialmente tomados del cine mainstream, es una constante en este tipo de cine- es primordial, ya que la respuesta colectiva del público respecto al original "crea" el exploitation. De ahí que títulos como "Drácula" (Terence Fisher, 1958), "El exorcista" (William Friedkin, 1973), "Zombie" (George A. Romero, 1978) o "Conan el bárbaro" (John Millius, 1981) sean el origen de cintas como "El mundo de los vampiros" (Alfonso Corona Blake, 1960), "La endemoniada" (Amando de Ossorio, 1974), o "La invasión de los zombies atómicos" (Umberto Lenzi, 1980) o "Ator el poderoso" (Joe D'Amato, 1982). Y, en consecuencia, que a la sombra de grandes cineastas hayan prosperado individuos como Ed Wood Jr., Ib Melchior o Herbert L. Strock.

Fuente: Revista Imágenes de actualidad
Autor: Dr. Cyclops

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http://img171.imageshack.us/img171/7979/bloodfeast.jpg http://img27.imageshack.us/img27/7112/2000maniacos.jpg http://img16.imageshack.us/img16/4582/colormebloodred.jpg

Alude a películas que incluyen secuencias con mucha sangre, vísceras y mutilaciones varias, pura casquería que ha llevado a calificar también este tipo de cine como "de tripas" o "de criadillas". En muchos casos, la mayor parte, la exhibición de la sangre se convierte en elemento esencial y con carácter de protagonista. Jordi Costa explica más el término afirmando: "Si no hay cine porno sin eyaculación, no hay cine gore sin mutilación". El encargado de acuñar por primera vez el término fue el productor y director Herschell Gordon Lewis, quien se empeñó en provocar en el espectador sensaciones fuertes para obligarle a volver a pasar por taquilla.

Dedicado al porno tanto como al terror, y asociado a su inseparable colega, David F. Friedman, Gordon Lewis fue el pionero de los desnudos en pantalla y del cine gore con películas como "Blood Feast", de 1963, "2000 maníacos", de 1964 y curiosamente inspirada en el musical "Brigadoon", que había protagonizado Gene Kelly, y "Color Me Blood Red", de 1965. Gordon Lewis nació en 1926 en Estados Unidos, y el también estadounidense Friedman en 1923. El hecho de que el primero fuera graduado en psicología le ayudó sin duda para identificar las preferencias del público en lo relativo a mostrar el sexo y la muerte en la pantalla. Gordon Lewis empezó trabajando como profesor de inglés en Mississipi, ejerció como publicitario y como productor de televisión en Oklahoma, y en Chicago pasó de trabajar en anuncios de televisión a ser socio de un estudio de producción. Años más tarde conoció a Friedman, con el que empezó a explotar lo grotesco y el tabú, aquello que las compañías productoras más convencionales no se atreverían a poner en pantalla. En esa clave fue decisiva la aportación de la experiencia conseguida por Friedman en el mundo de las ferias ambulantes, los espectáculos con monstruos, así como otras extrañas formas de entretenimiento extremo.

Fue así como "Blood Feast" llegó a la pantalla, protagonizada por un egipcio demente en Miami, dedicado a descuartizar mujeres para conseguir lenguas, piernas, etcétera, para sus repugnantes ritos religiosos. Llegaron incluso a facilitar a los espectadores bolsas en las taquillas para vomitar. Las colas ante los autocines para ver esta película inauguraron el éxito de las películas Splatter. El siguiente título fue "2000 maníacos", con los habitantes rebeldes de una ciudad en peligro de extinción que se dedican a torturar y asesinar a sus visitantes yanquis como venganza por la destrucción de la villa durante la Guerra Civil americana. Tuvo un éxito arrollador en los estados del Sur, a pesar de la vigilancia de los censores, que la esperaban tijera en mano para cortar las atrocidades que pudiera contener. El tercer y último éxito del dúo dinámico del gore llegó con "Color Me Blood Red", historia de un pintor mentalmente enfermo que emplea sangre para sus creaciones. El pensamiento de Gordon Lewis como cineasta queda resumido en la siguiente frase: "En mis películas me inclinaba siempre por un gore intensivo antes que extensivo, por una razón simple: no tenía presupuesto". El término explotación alcanzó con este creador una nueva cota, sin duda.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán


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Película "2000 maniacos": Contenido visible sólo para usuarios registrados

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http://img197.imageshack.us/img197/7342/bloodlace.jpg

Dentro del cine de horror estadounidense producido en el transcurso de la década de los setenta, todavía existen pequeñas joyas desconocidas para numerosos aficionados, y cuyo descubrimiento depara no pocas y estimulantes sorpresas. Este es el caso de "Blood & Lace" (1970), una modestísima producción (200.000 dólares) de American International Pictures (AIP), Carlin Co. y Contemporary Film-Makers, escrita por Gil Lasky y dirigida por Philip S. Gilbert, realizador de esta única y rara joya, "Blood & Lace" es una película notablemente enfermiza y sádica, en la cual el incesto, el hambre, el asesinato a golpes de martillo, el chantaje, la violación y la tortura, ligadas al ambiente dulzón de la típica small town del Medio Oeste americano, están presentes en cada una de las secuencias, de los planos, de la cinta.

La historia gira en torno a Ellie Masters (Melody Patterson), una joven cuya madre -quien ejercía la prostitución en su propia casa-, ha sido asesinada en misteriosas circunstancias. Confinada en el solitario y siniestro orfanato de la Sra. Deere -encarnada por Gloria Grahame, la trágica heroína de "Los sobornados" (1953), de Fritz Lang-, el cual dirige como si fuera un campo de concentración con ayuda de su torvo encargado -interpretado por Len Lesser, el tío Lou de la serie "Seinfeld"-. Además, merodea por el lugar el detective Calvin Carruthers (Vic Tayback) y un trabajador social llamado Harold Mullins (Milton Selzer), que mantiene una sórdida relación personal con la Sra. Deere... Finalmente, nada es lo que parece y la película ofrece un twist argumental digo de un Shyamalan cualquiera.

"Blood & Lace" es, sin duda, uno de los primeros films estadounidenses en copiar la moda del gialli italiano según Dario Argento: damiselas en peligro, enigmas policiales a lo Agatha Christie, escenarios terroríficos y brutales asesinatos. En este aspecto, destaca la violencia explícita del film, y sus escalofriantes sugerencias -cf. los cadáveres de los jóvenes que mueren en el orfanato víctimas de los malos tratos, son "colgados" de garfios, como si fueran reses cuarteadas, en una cámara frigorífica...-, muy bien visualizadas por Philip S. Gilbert, quien posee algo parecido a lo que podríamos denominar estilo. Y buena prueba de ello es la secuencia inicial, donde una inquietante cámara subjetiva, que identifica la mirada del espectador con el asesino, merodea por el exterior de una gran casa, introduciéndose en ella de manera furtiva, explorando el espacio, adentrándose en la cocina para que una mano sospechosa extraiga un gran martillo de un cajón... Luego, esa misma mano empuñando la herramienta / arma y nos conduce a la habitación donde yace la madre de Ellie con uno de sus clientes / amantes, se inicia la matanza... ¿A qué les suena? Idéntica planificación, idéntica secuencia de apertura, podemos encontrarla en "La noche de Halloween" (1978), de John Carpenter, quien a buen seguro había estudiado la fibrosa puesta en escena de Gilbert. Por este y otros motivos -su papel fundacional del slasher norteamericano-, "Blood & Lace" merece ser reivindicada con carácter de urgencia.

Fuente: Revista Imágenes de Actualidad
Autor: Dr. Cyclops


ENLACES:

http://www.youtube.com/watch?v=4byg6OdWk8k
Spot para la televisión

http://www.youtube.com/watch?v=5plip0yDVDo
La escena inicial mencionada en el articulo

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http://img30.imageshack.us/img30/3685/historiasextraordinaria.jpg

Prohibida en España en su momento, "Historias extraordinarias" constituye una de las manifestaciones más afortunadas de una moda del cine europeo de los años sesenta: la película de episodios. En este caso, los directores son, por orden de capítulo, Roger Vadim, Louis Malle y Federico Fellini, y el nexo la literatura de Poe, a la sazón en plena euforia cinematográfica (no en vano Vincent Price, entonces el emblema fílmico del mundo de Poe, asumió la voz en off para la versión anglosajona). Producida sin restricciones, en conjunto resulta desigual, como solía ocurrir en tales casos. El episodio de Vadim, por supuesto, es el peor, y si destaca en su filmografía se debe a la piadosamente breve duración; desperdicia el cuento original, "Metzengerstein", para perpetrar un falsamente audaz, trivial y risible cuento gótico-moral, supeditado al lucimiento de Jane Fonda, esposa del director. El episodio de Louis Malle sube el nivel; adaptando con cierta fidelidad el relato "William Wilson", el dúctil director francés personaliza el binomio sexo bizarro-sadismo gráfico que entonces primaba en el fantastique europeo, contando con el fuerte protagonismo de dos de las mayores estrellas nacionales, el beau tenebreux Alain Delon y una Brigitte Bardot insólitamente teñida de negro; aunque le falte brillantez, "William Wilson" es sólido y atractivo, y la secuencia de la partida de cartas resulta inolvidable. El tercer y último episodio, a diferencia de los anteriores, descarta el título del cuento adaptado, "Nunca apuestes tu cabeza con el Diablo", seguramente porque el parecido argumental es mínimo, y lo sustituye por el nombre de su protagonista, "Toby Dammit". Libre de la apabullante obligación de ofrecer una magna y compleja película en la línea de las anteriores, Fellini brindó una obra maestra minimal, que brilla con cegadora luz propia en la historia del cine. Conservando elementos de previos hitos suyos -"La dolce vita" (1960) y "8 1/2" (1963)- y riéndose de la necia producción americana "Dos semanas en otra ciudad" (1962), el mítico cineasta reúne magistralmente el sarcasmo y la fantasmagoría, la caricatura de múltiples realidades coetáneas con el atemporal delirio siniestro, con el fin de brindar un "viaje al fin de la noche" tan tétrico como chispeante, cuyo guía es un actor inglés caído en desgracia por el alcoholismo, que llega a Roma para... ¡protagonizar un spaghetti western católico! Este personaje, a la par soberbio y desesperado, consciente de que el Diablo le acosa por razones que nunca sabremos, que encierra tanto del propio Poe cuanto de sátira de las rock stars, con un toque de Klaus Kinski, es encarnado por un Terence Stamp inmejorable. Cortometraje de inagotable riqueza, tan inquietante como divertido, absolutamente hipnótico, "Toby Dammit" es pura magia y, en última instancia, representa un prodigioso ejercicio de concentración estilística, cuya egregia altura ni siquiera su propio autor volvería a igualar.

Fuente: Antología del cine fantástico italiano
Autor: Carlos Aguilar


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Nacido en Essex, Inglaterra, en 1877 y fallecido en Ypres en 1918, su carrera como escritor fue breve debido a su prematura muerte. De haber vivido más tiempo se hubiera convertido en uno de los narradores más prolíficos. Sus relatos aparecieron en revistas como "Weird Tales" o "Famous Fantastic Mysteries", rival de la primera y propiedad de Frank Munsey que se nutría de materiales publicados anteriormente por otras revistas de la firma, como "All Story Weekly" o "Argosy". Fue marino, fotógrafo y se hizo fanático de la cultura física debido a una salud endeble durante su infancia. Publicó en revistas como "Nautical Magazine", "The Red Magazine", "The Story Teller" o "The Strand", hogar del detective Sherlock Holmes. Fue creador de uno de los rivales de Holmes, Carnacki el cazafantasmas, si bien se interesaba más por los casos de tipo sobrenatural que por el mero crimen como el detective de Conan Doyle. En 1907 publicó su primera novela "The Boats of the Glen Carrig", publicada en España con el título "Los náufragos de las tinieblas" y en la que narra un naufragio en el Mar de los Sargazos, poblado por monstruos. Al año siguiente apareció "La casa en el confín de la Tierra", sobre una mansión situada en Irlanda que aparece en otra dimensión. En 1909 retornó a los temas marítimos que tan bien conocía con "Los piratas fantasmas", que gira en torno a un barco fantasma. Tras un breve paréntesis aparece "The Night Land. A Love Story", publicada en España con el título "El reino de la noche". A caballo entre la fantasía, la novela romántica y el terror, narra las aventuras de un joven que abandona la seguridad de su ciudad, situada en una gigantesca pirámide, para partir en busca de la mujer que ama. Para ello tendrá que viajar por una tierra poblada de monstruos y entidades demoníacas que han conseguido suplantar a la humanidad como amos del planeta. Partipó en la Primera Guerra Mundial como oficial de artillería. Alcanzado por una granada en 1918 el conflicto puso fin a una prometedora carrera como escritor. En ocasiones se le ha señalado como el maestro de H.P. Lovecraft.

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán

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Aunque "The city of the dead" no esté adaptada de ningún cuento del célebre escritor de Providence, sin duda constituye, cuatro años antes de "The haunted palace" (1964), de Roger Corman, la primera obra cinematográfica digna de considerarse lovecraftiana. De entrada, al contrario que otras coetáneas películas británicas del género, tradicionalmente ambientadas en Londres o en Europa central, "The city of the dead" transcurre en Nueva Inglaterra, en un pueblo poco tranquilizador que bien podía llamarse Arkham o Dunwich. Asimismo, lejos de la brillantez policromada de las producciones Hammer, esta película fue fotografiada en un bellísimo blanco y negro, dentro de un estilo cinematográfico que por todos los conceptos recuerda a las producciones fantásticas de Val Lewton, sobre todo "The leopard man" (1943), de Jacques Tourneur, o "The body snatcher" (1945), de Robert Wise. La atmósfera está muy bien potenciada por la unidad espacial, pues la acción se desarrolla básicamente en el pueblo siniestro, repleto de lúgubres edificios a lo largo de una única calle, perpetuamente neblinosa y habitada por siluetas espectrales vestidas de negro. Curiosamente, "The city of the dead" revela fuertes puntos comunes con "Psicosis" (1960), de Alfred Hitchcock (la heroína es asesinada brutalmente alrededor del minuto treinta y ocho, tras haber alquilado una habitación en la localidad donde sucede la historia), y "La máscara del demonio" (1960), de Mario Bava (la secuencia de apertura es idéntica, con un hatajo de campesinos y jueces encargándose de ejecutar, en una zona brumosa e inhóspita, a una bruja que los maldice antes de morir). Sin embargo, esta película de John Moxey (realizador muy interesado en el esoterismo y que en breve añadiría su segundo nombre, Llewellyn, a su firma, por sugerencia de un numerólogo) está rodada un poco antes de tan importantes clásicos de la historia del cine... Bien que "The city of the dead" es igualmente un film precursor en el sentido de que supone la primera producción de Milton Subotsky para la compañía Vulcan, llamada a convertirse, poco después, en la famosa Amicus, la gran rival de Hammer.

Fuente: Quatermass 6: Antología del cine fantástico británico
Autor: Olivier Billiottet

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Creighton Tull Chaney nació en 1906 y falleció en 1973. Nacido prematuramente, arrastró problemas respiratorios que finalmente serían en parte responsables de su muerte. Su padre, Lon Chaney, le dijo que era demasiado alto para triunfar en el cine, pero lo cierto es que posteriormente se ha descubierto que su altura había sido reforzada convenientemente con unas alzas especiales en los zapatos, y posiblemente el 1,89 del que presumía no fuera tal. En todo caso, lo que sí es totalmente cierto es que no empezó a trabajar en el cine hasta la muerte de su padre, en 1930, y que nunca estuvo cómodo con el empeño de los estudios que le contrataban de que exhibiera el nombre de su célebre padre. Intentó inicialmente escapar al Chaney Jr. haciéndose llamar Creighton Chaney aprovechando el nombre de su madre, la cantante Cleva Creighton, pero no tuvo éxito en tal empeño. También intentó apartarse del cine ejerciendo como compositor musical, pero finalmente sus pasos le llevaron a convertirse en una de las estrellas de las películas de terror de la productora Universal, interpretando a todos los monstruos principales de la mismas, desde el hombre lobo, que le hizo célebre, hasta el hijo de Drácula, el monstruo de Frankenstein e incluso Kharis, una momia heredera de la interpretada por Boris Karloff en la primera entrega de la saga del horror egipcio. Tal como hizo su padre, él también desarrolló numerosos trucos de maquillaje, pero al contrario que aquél, no pudo ponerlos en práctica, debido a las normas del sindicato norteamericano del espectáculo, que habría considerado tal actividad como intrusismo del actor en el campo de los maquilladores. A pesar de que hubo de enfrentar serios problemas de alcoholismo, Chaney Jr. consiguió salir del gueto de las películas de terror en numerosas ocasiones, completando su filmografía con una larga serie de apariciones en producciones de otros géneros. Sus contribuciones más destacadas al terror cinematográfico son: "El malvado Zaroff", "El hombre lobo", "Frankenstein y el hombre lobo", "El hijo de Drácula", "El espectro de la momia", "La zíngara y los monstruos", "La mansión de Drácula", "La novia del gorila", "The Alligator People", "Drácula contra Frankenstein", "The Ghost of Frankenstein", "Man Made a Monster", y "The Mummy's Tomb".

Fuente: Diccionario ilustrado del cine de terror
Autores: Miguel Juan Payán y Javier Juan Payán

[ScoutFinch]

Cómo me gusta tu firma, Dr.!
Y que buenos aportes sobre cine fantástico.
Saludos !!!